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L’artista contemporaneo Kim Hongrok
Kim Hongrok è un artista contemporaneo coreano che iniziò con la pittura e ampliò la propria pratica alla performance, alla fotografia, al video e all’installazione.
Nato nel 1985, si è diplomato alla scuola superiore Whimoon e nel 2005 è entrato nel corso di Pittura della Facoltà di Belle Arti dell’Università Hongik, dove ha studiato pittura.
Durante gli anni universitari, aprì uno studio privato e continuò a lavorare sia all’interno sia all’esterno dell’università. Frequentando fotografi, cineasti, modelli, attori e persone attive in ambiti diversi, conobbe molteplici metodi di lavoro e punti di vista. Il fatto che uno stesso evento possa essere interpretato diversamente a seconda della posizione e dell’esperienza di chi lo osserva divenne naturalmente uno dei suoi interessi artistici.
Tra fatto e percezione
Dopo aver concluso il servizio militare ed essere tornato all’università, Kim Hongrok iniziò nel 2008, mentre era ancora studente, a sviluppare opere sotto il titolo comune Un indizio per il recupero dell’autenticità, avviando così la propria attività artistica. Invece di porre in primo piano le emozioni o le conclusioni dell’artista, presentava le situazioni in cui si trovavano persone, eventi e azioni, lasciando allo spettatore uno spazio da cui iniziare a riflettere.
In questo contesto, «espressione oggettiva» non significa che il punto di vista dell’artista o l’orientamento valoriale dell’opera scompaiano. Il giudizio dell’artista interviene necessariamente nella scelta del soggetto e nella costruzione della situazione. L’oggettività perseguita da Kim Hongrok consisteva piuttosto in un atteggiamento volto a ridurre la messa in scena emotiva e la spiegazione diretta, affinché il soggetto e la situazione si presentassero per primi davanti allo spettatore.
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Lavarsi i denti
Avviato nel 2008, Un indizio per il recupero dell’autenticità: Lavarsi i denti è un insieme di performance e opere fotografiche che colloca un gesto quotidiano, ripetuto da molte persone, tra individui e luoghi differenti.
Lavarsi i denti è normalmente un atto igienico compiuto in uno spazio privato. L’artista trasferì questo gesto davanti a un’opera d’arte, in un’aula durante una lezione di disegno dal nudo e in un cinema. Il significato del lavoro, tuttavia, non si limita a mostrare un gesto consueto in luoghi inconsueti. Lavarsi i denti diventa un’azione che invita a riesaminare, all’interno di una sola scena, i rapporti tra artista e opera, studente e soggetto creativo, arte e industria.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Jongsik Choi
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Jongsik Choi / Stampa Lambda, 2008, Kim Hongrok
La scena mostra due persone che si lavano i denti davanti a un’opera di Jongsik Choi. Più che raffigurare persone intente a osservare un’opera d’arte, il lavoro colloca nello stesso fotogramma l’opera e un’azione quotidiana che Jongsik Choi compie davanti alla propria creazione. In questo modo invita a riesaminare il rapporto che si forma tra chi ha realizzato un’opera e l’opera stessa.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Nude Drawing Class
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Lezione di disegno dal nudo / Stampa Lambda, 2008, Kim Hongrok
La performance si svolse durante una lezione di disegno dal nudo. Nell’ambito di una lezione dedicata all’osservazione e al disegno del corpo umano, l’artista scelse autonomamente l’atto di lavarsi i denti e lo trasformò in un’opera.
Le posizioni di studente e artista si sovrappongono in una scena, che mostra un soggetto creativo capace di concepire e realizzare opere secondo il proprio giudizio anche nel percorso formativo. Il lavoro non presenta lo studente soltanto come qualcuno che non è ancora artista, ma come un artista che già crea e realizza le proprie opere.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Megabox
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Megabox / Stampa Lambda, 2008, Kim Hongrok
La scena mostra diverse persone in piedi che si lavano i denti insieme al COEX Megabox. Oltre ai partecipanti riuniti per le riprese, furono invitati a prendere parte al lavoro anche alcuni passanti presenti nei dintorni; alcuni di loro aderirono sul momento, lavandosi i denti durante la realizzazione dell’opera.
Il cinema raggiunge il pubblico attraverso un sistema industriale di produzione, distribuzione e proiezione. Le arti visive si rapportano alla società attraverso strutture di creazione, esposizione, circolazione e commercio.
Quest’opera riunisce in un’unica immagine l’elemento comune al cinema e all’arte visiva: entrambi sono forme di espressione artistica che esistono in condizioni commerciali. Invita così a riesaminare le diverse percezioni e gli atteggiamenti per cui si accetta naturalmente la dimensione industriale del cinema, mentre si considera l’arte visiva soltanto come un ambito puro, separato dal mercato.
In tutte e tre le opere, lavarsi i denti non consiste semplicemente nel trasferire un gesto quotidiano in un luogo inconsueto. Diventa un’azione che induce a riconsiderare i rapporti e le distinzioni tra un artista e la propria opera, uno studente e un soggetto creativo, l’arte e l’industria.
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Seok-cheon Hong
A Clue to the Recovery of Authenticity: Seok-cheon Hong
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Seok-cheon Hong / Stampa Lambda, 2011, 120 × 120 cm, Kim Hongrok
Dopo aver dichiarato pubblicamente il proprio orientamento sessuale nel 2000, Seok-cheon Hong smise di apparire, uno dopo l’altro, nei programmi televisivi a cui partecipava. Con il tempo cambiarono gli sguardi della società e dei media; Hong tornò in televisione e riprese un’intensa attività. Kim Hongrok realizzò quest’opera con lui nel 2011.
Più che giudicare come una persona sia cambiata nel tempo, l’opera invita a osservare come siano mutati lo sguardo della società e quello dei media sulla medesima persona. Non definisce la sua identità attraverso un’unica spiegazione, ma assume come soggetto del lavoro il cambiamento delle percezioni che lo circondano.
Media sviluppati a partire dalla pittura
Olio su tela, 120 × 120 cm, 2010, Kim Hongrok
Kim Hongrok continuò a dipingere anche mentre ampliava il proprio campo espressivo alla fotografia, alla performance e all’installazione. Non abbandonò la pittura per passare ad altri media, ma scelse di volta in volta il mezzo in base al soggetto e al metodo del lavoro.
Tempera all’uovo su tavola di legno, 2004, dal portfolio presentato per l’ammissione all’Università Hongik, Kim Hongrok
Olio su tela, 2007, Autoritratto, Kim Hongrok
L’opera a tempera all’uovo del 2004, l’autoritratto del 2007 e il dipinto a olio del 2010 mostrano che la pratica di Kim Hongrok ebbe origine nella pittura. La fotografia, la performance, il video e l’installazione successivi possono essere intesi come un ampliamento dei suoi mezzi espressivi, più che come una rottura con la pittura.
Prima mostra personale
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Bussot, Raul
«Un indizio per il recupero dell’autenticità: Bussot, Raul», installazione, performance, video, fotografia e testo, performance di cinque giorni, spazio espositivo aperto 24 ore su 24, 2013, Kim Hongrok
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Bussot, Raul fu la prima mostra personale di Kim Hongrok. Affrontò l’esperienza della famiglia Bussot, che nel 1993 lasciò Cuba su una zattera diretta verso gli Stati Uniti. La mostra si aprì il 25 marzo 2013, vent’anni dopo l’inizio del viaggio, e proseguì fino al 31 marzo.
I due bambini che viaggiarono con la famiglia avevano quattro e cinque anni; Raul Bussot Jr. ne aveva cinque. Secondo i ricordi della famiglia, Raul Bussot e i suoi compagni prepararono una zattera in una foresta di mangrovie, evitando la sorveglianza della Guardia Costiera cubana, e presero il mare di notte.
Raul Bussot Jr. ricordava come si appoggiavano gli uni agli altri per condividere il calore nel mare freddo e come sperava di poter guardare cartoni animati in televisione senza interruzioni di corrente negli Stati Uniti. Una tempesta deviò la famiglia dalla rotta, lasciandola alla deriva per cinque giorni. Fu individuata prima da un peschereccio e poi soccorsa dalla Guardia Costiera degli Stati Uniti.
Kim Hongrok incontrò Raul Bussot Jr. e lo intervistò sull’esperienza della sua famiglia. Nel 2013, vent’anni dopo, costruì una zattera della stessa forma e delle stesse dimensioni dell’originale, utilizzando ferro, alluminio, ruote di bicicletta e remi, e la installò nello spazio espositivo.
L’artista e Raul Bussot Jr., ormai adulto, mangiarono, dormirono e vissero sulla zattera per cinque giorni. Facendo riferimento alle provviste preparate allora dalla famiglia, utilizzarono nella performance Spam, cioccolato e acqua. Per tutta la durata della performance, lo spazio espositivo rimase aperto 24 ore su 24.
In quest’opera, gli spettatori non rimasero all’esterno a osservare un risultato compiuto. Si avvicinarono al luogo in cui vivevano l’artista e Raul Bussot Jr., ascoltarono la loro storia e conversarono con loro; anche questi incontri divennero parte della performance.
Filmato realizzato dalla Guardia Costiera degli Stati Uniti / Florida, USA / 6 minuti 50 secondi / 1993
Nello spazio espositivo fu presentato anche un filmato che documentava il viaggio e il salvataggio del 1993. La presenza nello stesso luogo della documentazione storica e della performance realizzata 20 anni dopo consentiva agli spettatori di osservare insieme il rapporto tra esperienza vissuta, memoria e rievocazione.
La mostra accostò la separazione tra gli Stati Uniti liberali e la Cuba socialista al rapporto tra Corea del Sud e Corea del Nord. In un’unica opera confrontò differenze tra sistemi politici in tempi e luoghi diversi.
Esattamente 20 anni dopo, nel 2013, l’artista riportò in uno spazio espositivo della Corea del Sud la vicenda del 1993 in cui la famiglia Bussot lasciò la Cuba socialista per dirigersi verso gli Stati Uniti liberali. Riletto il rapporto tra Stati Uniti e Cuba attraverso quello tra Corea del Sud e Corea del Nord, i valori e i simboli di due tempi e luoghi differenti si incrociavano.
Il viaggio della famiglia Bussot viene presentato non soltanto come un’esperienza migratoria circoscritta a una regione, ma come un evento in cui una famiglia scelse la direzione della propria vita tra sistemi politici differenti. La loro esperienza porta davanti agli spettatori di oggi il valore e l’importanza che il liberalismo, garante della scelta individuale e della libertà di movimento, assume nella vita.
Raul Bussot Jr. e l’artista Kim Hongrok sono seduti sulla zattera durante la performance. Alle loro spalle è visibile il testo che documenta il viaggio per mare della famiglia Bussot.
Veduta della mostra con la zattera, i ritratti fotografici e il video dell’intervista riuniti nello stesso spazio
Veduta della mostra in cui l’installazione della zattera e il video che documenta il viaggio e il salvataggio del 1993 sono disposti l’uno di fronte all’altro.
Parete della mostra con i ritratti fotografici della famiglia Bussot e delle persone che condivisero il viaggio.
Parete della mostra con il testo che documenta lo svolgimento del viaggio della famiglia Bussot.
La performance non cercava di riprodurre esattamente l’esperienza di vent’anni prima. Attraverso condizioni limitate di spazio, tempo e alimentazione, tentava di avvicinarsi ai ricordi di una famiglia e di condividere con il pubblico attuale il significato della sua scelta di perseguire la libertà.
Secondo i ricordi della famiglia Bussot, il primo cibo mangiato dopo l’arrivo negli Stati Uniti nel 1993 fu quello di McDonald’s. Partendo da quel ricordo, Kim Hongrok e Raul Bussot Jr. mangiarono cibo di McDonald’s sulla zattera l’ultimo giorno della performance del 2013. Da questa esperienza nacque la seconda mostra personale di Kim Hongrok, «Un indizio per il recupero dell’autenticità: McDonald’s», tenuta nello stesso anno.
Kim Hongrok e Raul Bussot Jr. mangiano cibo di McDonald’s sulla zattera l’ultimo giorno della performance, 30 marzo 2013
Seconda mostra personale
Un indizio per il recupero dell’autenticità: McDonald’s
«Un indizio per il recupero dell’autenticità: McDonald’s», polvere di diamante su involucro per hamburger, 2013, Kim Hongrok
Un indizio per il recupero dell’autenticità: McDonald’s fu la seconda mostra personale di Kim Hongrok, tenuta nel 2013. L’artista applicò polvere di diamante su involucri di hamburger McDonald’s raccolti in diverse città.
Per la famiglia Bussot, McDonald’s era il primo cibo incontrato dopo l’arrivo negli Stati Uniti e, all’interno dell’opera, rappresenta un’esperienza concreta del primo incontro con il liberalismo e la società capitalista. Per un altro spettatore può essere un pasto quotidiano o un marchio internazionale familiare. Il lavoro mostra come uno stesso oggetto possa assumere significati e valori differenti a seconda dell’esperienza personale, del luogo e del periodo storico.
Kim Hongrok applicò polvere di diamante, un materiale dal prezzo e dal valore di scambio elevati nei mercati capitalisti, su involucri prodotti in massa e gettati dopo l’uso. La polvere di diamante utilizzata nell’opera non è una polvere, ma consiste in minuscoli diamanti naturali con più faccette che riflettono la luce.
Un bene di consumo gettato dopo l’uso e una pietra preziosa si incontrano su una stessa superficie. La traccia di un consumo quotidiano che segnò il primo incontro di una famiglia con il capitalismo si collega a un oggetto in cui si concentra il valore di mercato. Senza nominare direttamente il capitalismo con parole o slogan, il rapporto tra i due materiali condensa e mostra la varietà dei valori che vi si formano.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Chicago, America / polvere di diamante su involucro per hamburger, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ho Chi Minh, Vietnam / polvere di diamante su involucro per hamburger, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Buenos Aires, Argentina / polvere di diamante su involucro per hamburger, 2013, Kim Hongrok
Secondo i materiali espositivi dell’epoca, Kim Hongrok raccolse involucri McDonald’s da venti paesi con l’aiuto di numerose persone. Ogni opera prese il nome della città e del paese dove era stato raccolto l’involucro. La serie riunisce le tracce di un marchio globale prodotto, distribuito e consumato in regioni differenti.
Secondo le annotazioni dell’artista, per raccogliere gli involucri chiese la collaborazione delle ambasciate coreane in diversi paesi e di altre organizzazioni. Choi Siwon informò i propri fan internazionali dell’iniziativa e anche persone residenti all’estero parteciparono alla raccolta dei materiali.
L’artista annotò che, durante la raccolta, alcune regioni risposero che non vi erano ristoranti McDonald’s. La serie comprende così anche il fatto che la presenza del marchio variava da una regione all’altra in quel periodo.
In questa serie, McDonald’s è sia il primo cibo incontrato dalla famiglia Bussot negli Stati Uniti, sia un oggetto attraverso il quale il capitalismo viene sperimentato concretamente nel consumo quotidiano e nella produzione e distribuzione globale. Accostando un bene di consumo quotidiano, gettato dopo l’uso, a una pietra preziosa che possiede effettivamente un prezzo e un valore di scambio elevati, l’opera mostra come nel capitalismo si formino e si scambino valori differenti.
Un involucro destinato a essere gettato acquista nuovo valore quando incontra la polvere di diamante e diventa un’opera d’arte. Il processo si collega al funzionamento del capitalismo, in cui produzione, distribuzione, scambio e creazione generano e ampliano il valore. Attraverso il capitalismo che la famiglia Bussot conobbe dopo l’arrivo negli Stati Uniti, l’opera torna sulle possibilità di scelta individuale, sulle opportunità e sulla creazione di valore.
Alcune opere della serie furono esposte anche a LA Art Show, tenuta nel 2014 al Los Angeles Convention Center.
Terza mostra personale
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Schiava sessuale militare
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Schiava sessuale militare / Video e installazione, 2015 / Kim Hongrok
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Schiava sessuale militare fu la terza mostra personale di Kim Hongrok e si tenne dal 23 luglio al 23 agosto 2015.
Al posto dell’espressione comunemente utilizzata «donne di conforto dell’esercito giapponese», l’artista impiegò nel titolo della mostra le parole «militare», «sesso» e «schiava». In questo modo intendeva rendere più esplicita la natura della guerra e della violenza sessuale istituzionalizzata affrontate dalla mostra.
La mostra documentò attraverso video, fotografia e installazione cinque sopravvissute alla schiavitù sessuale dell’esercito giapponese, ancora in vita quando l’opera fu realizzata nel 2015: Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim e Il-chool Kang.
Le tre mostre personali formarono un percorso continuo di osservazione degli effetti che sistemi politici e storie differenti producono sulla vita degli individui. Attraverso la scelta e lo spostamento di una famiglia, la prima affrontò il valore e l’importanza del liberalismo; mediante l’accostamento di oggetti differenti, la seconda esaminò i valori che si formano nel capitalismo e il loro significato. La terza documentò le conseguenze lasciate dall’imperialismo nelle vite individuali attraverso i volti e gli sguardi delle cinque donne.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Park
Fotografia, 2015 / Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Lee
Fotografia, 2015 / Kim Hongrok
L’installazione proiettava i video delle cinque donne su uno schermo di cotone bianco di 3 × 2 m.
Nei filmati, le cinque donne non rimettono in scena le violenze subite né pronunciano battute. Riducono al minimo i gesti che accentuerebbero una particolare emozione e, sedute su una sedia, guardano verso la macchina da presa. Gli spettatori incontrano alla stessa altezza dello sguardo le figure proiettate in dimensioni prossime a quelle reali.
Secondo le note di lavoro dell’artista, al momento delle riprese alcune delle cinque donne chiesero se si trattasse di immagini per un servizio giornalistico o per un ritratto funebre. Dopo aver saputo che le riprese erano destinate alla realizzazione di un’opera d’arte, alcune si sistemarono i capelli o si cambiarono d’abito prima di sedersi davanti alla macchina da presa.
Questa struttura era connessa a un metodo di lavoro che intendeva documentare le cinque donne non come figure confinate in un’unica emozione o in un’immagine di come dovrebbe apparire una «vittima», ma come individui di nome Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim e Il-chool Kang.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Il-chool Kang
Fotografia, 2015 / Kim Hongrok
Uno spettatore incontra lo sguardo della defunta Kun-ja Kim nel video
Nello spazio espositivo fu collocata la stessa sedia sulla quale ciascuna delle cinque donne si era seduta durante le riprese. La sedia registrata nel filmato e quella fisicamente presente erano poste l’una di fronte all’altra, collegando il momento delle riprese al presente della mostra.
Gli spettatori potevano sedersi sulla sedia, incontrare alla stessa altezza dello sguardo la figura nel filmato e ricambiarne lo sguardo. La sedia divenne un tramite che collegava le cinque donne partecipanti alle riprese con gli spettatori successivi e permetteva loro di trovarsi faccia a faccia.
Kun-ja Kim nacque nel 1926 a Pyeongchang, nella provincia di Gangwon. Nel 1942 fu condotta con la forza in una stazione di «conforto» dell’esercito giapponese a Hunchun, nella provincia di Jilin, in Cina, dove subì violenze per circa 3 anni fino alla liberazione; in seguito tornò in Corea.
Nel 2007 testimoniò sulle violenze subite durante un’audizione nell’ambito della Commissione Affari Esteri della Camera dei Rappresentanti degli Stati Uniti. Nel 2000 e nel 2006 donò 50 milioni di won in ciascuna occasione, per un totale di 100 milioni di won, alla fondazione The Beautiful Foundation, ponendo le basi del «Fondo Nonna Kim Kun-ja». Grazie alle ulteriori donazioni dei cittadini, entro luglio 2017 il fondo aveva contribuito alle tasse universitarie di circa 250 studenti usciti da strutture di tutela dei minori.
Per queste testimonianze e attività filantropiche, nel 2014 Kun-ja Kim ricevette la Medaglia Dongbaek dell’Ordine al Merito Civile. Nell’opera realizzata nel 2015 è documentata anche mentre indossa la medaglia.
Kun-ja Kim morì il 23 luglio 2017.
Dopo la realizzazione dell’opera, Soon-ok Kim morì il 5 dicembre 2018, Ok-seon Park il 7 settembre 2024 e Il-chool Kang il 28 marzo 2026.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Kun-ja Kim
Fotografia, 2015 / Kim Hongrok
Quest’opera non riduce la storia delle vittime della schiavitù sessuale dell’esercito giapponese a una sola spiegazione o emozione. Presenta al pubblico attuale i nomi, i volti e gli sguardi delle cinque donne, invitandolo a considerare le conseguenze dell’imperialismo e della guerra nella vita delle persone.
I video e la sedia usata durante le riprese permettono al pubblico attuale che non può incontrare di persona le cinque donne di guardare le loro immagini alla stessa altezza degli occhi.
Autenticità, indizio, recupero
Nel titolo dell’opera, l’«autenticità» rimanda alla ragione all’origine del lavoro e alla sua essenza, oltre le immagini visibili sulla sua superficie e le valutazioni consuete sui soggetti e sugli eventi che affronta. Anziché fissare l’interpretazione in un’unica conclusione, l’opera lascia spazio per avvicinarsi a quella radice attraverso sguardi e situazioni differenti.
Kim Hongrok mostra persone, oggetti ed eventi concreti affinché il pubblico possa riflettere autonomamente, invece di proporre un’interpretazione prestabilita. Questo non rende indefiniti il punto di vista o i valori dell’opera. L’artista sceglie ciò che considera importante e costruisce situazioni in cui gli spettatori possono esaminarne il significato.
L’«indizio» nel titolo dell’opera non è una conclusione, ma un elemento da cui può cominciare il pensiero. Un gesto quotidiano, il volto di una persona, il ricordo di una famiglia o un involucro gettato dopo l’uso possono svolgere questa funzione.
Il «recupero» indica, più che un ritorno completo a una condizione passata, il processo di riesaminare eventi, oggetti e persone divenuti familiari, cercando di avvicinarsi alla loro essenza.
La serie Un indizio per il recupero dell’autenticità iniziò con il gesto quotidiano di lavarsi i denti. Proseguì con gli sguardi sociali su una persona, le scelte e gli spostamenti di una famiglia, il valore del liberalismo, i valori formati nel capitalismo e i volti delle vittime della guerra.
Attraverso le sue diverse opere, Kim Hongrok invita il pubblico a riesaminare ciò che credeva di conoscere e a riflettere sul significato della libertà e della scelta, del valore e della dignità umana nella vita delle persone.