Artista Kim Hongrok
Kim Hongrok es un artista contemporáneo coreano que partió de la pintura sobre lienzo y amplió sus medios de expresión hacia la performance, la fotografía, el vídeo y la instalación.
Nació en 1985. Tras graduarse de la Escuela Secundaria Whimoon, ingresó en 2005 en el Departamento de Pintura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Hongik, donde se especializó en pintura.
Durante sus estudios universitarios, estableció un estudio propio y continuó trabajando tanto dentro como fuera de la universidad. Al relacionarse con fotógrafos, realizadores de vídeo, modelos, actores y personas activas en otros ámbitos, conoció diversas formas de trabajo y perspectivas. El hecho de que un mismo acontecimiento pueda interpretarse de manera distinta según la posición y la experiencia de quien lo observa se convirtió de forma natural en uno de sus intereses artísticos.
Entre los hechos y la percepción
Tras completar el servicio militar y regresar a la universidad, Kim Hongrok comenzó en 2008, aún como estudiante, a desarrollar su obra bajo el título común «Un indicio para la recuperación de la autenticidad», iniciando así su actividad como artista. En lugar de situar en primer plano las emociones o las conclusiones del artista, presentaba las circunstancias en las que se encuentran las personas, los acontecimientos y las acciones, dejando al público un espacio desde el cual iniciar su propia reflexión.
La «expresión objetiva» no significa aquí que desaparezcan el punto de vista del artista o los valores que orientan la obra. El juicio del artista interviene al elegir el objeto de la obra y configurar la situación. La objetividad que buscaba Kim Hongrok consistía, más bien, en reducir la escenificación emocional y las explicaciones directas para permitir que el objeto y la situación se presentaran primero ante el público.
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Cepillarse los dientes
Iniciada en 2008, «Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Cepillarse los dientes» es una obra de performance y fotografía que sitúa una acción cotidiana, repetida por muchas personas, en contextos con individuos y lugares diversos.
Cepillarse los dientes es, por lo general, un acto de higiene realizado en un espacio privado. El artista trasladó esta acción al espacio frente a una obra de arte, a un aula durante una clase de dibujo del natural y a una sala de cine. Sin embargo, el sentido de la obra no se limita a mostrar una acción conocida en un lugar inusual. En una misma escena, cepillarse los dientes funciona como un acto que invita a reconsiderar las relaciones entre el artista y la obra, el estudiante y el sujeto creador, el arte y la industria.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Jongsik Choi
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Jongsik Choi / Impresión Lambda, 2008, Kim Hongrok
Dos personas se cepillan los dientes frente a una obra del artista Jongsik Choi. En lugar de mostrar la contemplación de una obra de arte, esta pieza reúne en un mismo encuadre la obra y una acción corporal cotidiana que Jongsik Choi realiza ante su propia creación. De este modo, invita a reconsiderar la relación que se establece entre quien produce una obra y la obra misma.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Nude Drawing Class
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Aula de dibujo del natural / Impresión Lambda, 2008, Kim Hongrok
La performance se realizó durante una clase de dibujo del natural. En una sesión dedicada a observar y dibujar el cuerpo humano, el artista eligió por decisión propia la acción de cepillarse los dientes y la convirtió en una obra.
Al superponerse en una misma escena la posición del estudiante que recibe una clase y la del artista que crea una obra, se hace visible su identidad como sujeto creador que inicia y ejecuta una obra según su propio criterio, incluso antes de ser definido por su condición de estudiante. La pieza no limita al estudiante a la figura provisional de alguien que aún no es artista, sino que permite verlo como un artista capaz de crear y realizar su propia obra dentro del proceso educativo.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Megabox
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Megabox / Impresión Lambda, 2008, Kim Hongrok
Varias personas aparecen de pie, cepillándose los dientes juntas en el cine Megabox de COEX. Además de quienes se habían reunido para la sesión fotográfica, se invitó a participar a personas que pasaban por el lugar; algunas se sumaron de inmediato y se cepillaron los dientes durante la realización de la obra.
La sala de cine es un espacio en el que el cine, como forma artística, se encuentra con el público a través del sistema industrial de producción, distribución y exhibición. Las artes visuales también se relacionan con la sociedad dentro de estructuras de creación, exposición, circulación y comercio.
Esta obra reúne en una misma imagen una característica común del cine y de las artes visuales: ambos son formas de expresión artística y, a la vez, existen bajo condiciones comerciales. Invita a reconsiderar las distintas percepciones y actitudes que aceptan con naturalidad la dimensión industrial del cine, pero entienden las artes visuales únicamente como un ámbito puro y separado del mercado.
En estas tres obras, cepillarse los dientes no se limita a trasladar una acción cotidiana a un lugar inusual. Funciona como un acto que invita a reconsiderar las relaciones y distinciones entre el artista y su propia obra, el estudiante y el sujeto creador, el arte y la industria.
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Seok-cheon Hong
A Clue to the Recovery of Authenticity: Seok-cheon Hong
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Seok-cheon Hong / Impresión Lambda, 2011, 120 × 120 cm, Kim Hongrok
Después de hacer pública su identidad sexual en 2000, Seok-cheon Hong dejó sucesivamente los programas de televisión en los que aparecía. Con el paso de un tiempo considerable, la percepción social fue cambiando de manera gradual; Hong regresó a la televisión y retomó una actividad pública intensa. Kim Hongrok realizó esta obra con él en 2011, mientras esos cambios seguían desarrollándose.
En lugar de juzgar cómo una persona ha cambiado con el tiempo, la obra propone observar cómo se han transformado las miradas de la sociedad y de los medios hacia esa misma persona. No define la identidad del retratado mediante una única explicación, sino que convierte en objeto de la obra el cambio de percepción que lo rodea.
Medios expandidos a partir de la pintura
Óleo sobre lienzo, 120 × 120 cm, 2010, Kim Hongrok
Mientras ampliaba sus medios de expresión hacia la fotografía, la performance y la instalación, Kim Hongrok siguió trabajando en pintura. No abandonó la pintura para trasladarse a otros medios; ha elegido cada medio según el objeto y el método de la obra.
Temple al huevo sobre tabla de madera, 2004, obra del portafolio de admisión a la Universidad Hongik, Kim Hongrok
Óleo sobre lienzo, 2007, autorretrato, Kim Hongrok
El temple al huevo de 2004, el autorretrato de 2007 y el óleo de 2010 muestran que la práctica de Kim Hongrok se originó en la pintura. La fotografía, la performance, el vídeo y la instalación que vinieron después pueden entenderse no como una ruptura con la pintura, sino como un proceso de expansión de sus formas de expresión.
Primera exposición individual
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Bussot, Raul
A Clue to the Recovery of Authenticity: Bussot, Raul / Installation, performance, film, photography and text / Five-day performance / Gallery open 24 hours during the performance, 2013, Kim Hongrok
«Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Bussot, Raul» fue la primera exposición individual de Kim Hongrok y abordó la experiencia de la familia Bussot, que viajó en balsa desde Cuba hacia Estados Unidos en 1993. La exposición se ajustó a las fechas de la travesía y el rescate de la familia, del 25 al 30 de marzo de 1993, y se celebró exactamente 20 años después, del 25 al 31 de marzo de 2013.
Raul Bussot Jr. tenía cinco años en 1993. Según los recuerdos de la familia, el padre de Raul y dos acompañantes prepararon una balsa en un manglar, ocultándose de la vigilancia de la guardia costera cubana, y salieron al mar de noche.
Raul Jr. recordaba cómo, en el mar frío, se apoyaban unos contra otros para compartir el calor corporal, y cómo esperaba poder ver dibujos animados en televisión sin cortes de electricidad al llegar a Estados Unidos. Una tormenta desvió a la familia de su ruta; después de permanecer a la deriva durante cinco días, fueron rescatados con la ayuda de la Guardia Costera de Estados Unidos.
Kim Hongrok se reunió con Raul Bussot Jr. y lo entrevistó sobre la experiencia de su familia. En 2013, 20 años después, fabricó una balsa de aluminio de la misma forma y tamaño, basada en la de entonces, y la instaló en la sala de exposiciones.
El artista y Raul Jr., ya adulto, comieron, durmieron y vivieron sobre la balsa durante cinco días. Para la performance utilizaron Spam, chocolate y agua, tomando como referencia los alimentos que la familia había preparado para la travesía. La sala permaneció abierta las 24 horas mientras duró la performance.
En esta obra, el público no se limitó a contemplar desde fuera un resultado acabado. Los visitantes se acercaban al lugar donde vivían el artista y Raul Jr., escuchaban su historia y conversaban con ellos; estos encuentros también pasaron a formar parte de la performance.
Vídeo grabado por la Guardia Costera de Estados Unidos / Florida, USA / 6 minutos 50 segundos / 1993
La exposición también presentó un vídeo que documentaba la travesía y el rescate de 1993. Al situar en un mismo espacio el registro del pasado y la performance realizada 20 años después, el público podía observar conjuntamente la relación entre experiencia real, memoria y recreación.
La exposición establecía un paralelo entre la relación de confrontación y ruptura que mantenían los Estados Unidos liberales y la Cuba socialista, y la relación entre la República de Corea liberal y Corea del Norte socialista. La obra superponía así una estructura común: la confrontación entre liberalismo y socialismo en cada uno de estos pares.
Exactamente 20 años después, en 2013, el artista llevó de nuevo a una sala de exposiciones de la República de Corea la historia de la familia Bussot, que en 1993 dejó la Cuba socialista rumbo a los Estados Unidos liberales. Al releerse la relación entre Estados Unidos y Cuba a través de la relación entre la República de Corea y Corea del Norte, se cruzaban los valores y símbolos de dos tiempos y lugares distintos.
La travesía de la familia Bussot se presenta no solo como una experiencia migratoria circunscrita a una región, sino como un acontecimiento en el que una familia eligió la dirección de su propia vida entre dos sistemas diferentes. Su experiencia muestra al público actual el valor y la importancia que tiene en la vida el liberalismo, al garantizar la elección y el desplazamiento individuales.
Raul Bussot Jr. y el artista Kim Hongrok, sentados en la balsa durante la performance. Detrás de ellos se ve el texto que documenta la travesía de la familia Bussot.
Vista de la exposición en la que la instalación de la balsa, los retratos fotográficos de la familia Bussot y el vídeo de entrevistas están dispuestos en un mismo espacio.
Vista de la exposición en la que la instalación de la balsa y el vídeo que documenta la travesía y el rescate de 1993 están dispuestos uno frente al otro.
Muro de la exposición con retratos fotográficos de la familia Bussot y de las personas que compartieron la travesía.
Muro de la exposición con un texto que documenta el desarrollo de la travesía de la familia Bussot.
La performance no partía de la premisa de que fuera posible repetir literalmente una experiencia de 20 años atrás. A través de las condiciones impuestas por un espacio, un tiempo y unos alimentos limitados, la obra buscaba acercarse a la memoria de una familia y compartir con el público actual el significado de elegir la libertad.
Según los recuerdos de la familia Bussot, lo primero que comieron tras llegar a Estados Unidos en 1993 fue comida de McDonald’s. Siguiendo aquella experiencia, Kim Hongrok y Raul Bussot Jr. comieron comida de McDonald’s sobre la balsa el último día de la performance de 2013; esta experiencia dio paso a la segunda exposición individual de Kim Hongrok, «Un indicio para recuperar la autenticidad: McDonald’s», celebrada ese mismo año.
Kim Hongrok y Raul Bussot Jr. comiendo comida de McDonald’s sobre la balsa el último día de la performance, 30 de marzo de 2013
El alcalde de Seúl, Oh Se-hoon, y su familia durante su visita a la exposición. A la izquierda de la fotografía aparece el artista Kim Hongrok.
Choi Siwon durante su visita a la exposición mientras se desarrollaba la performance. De izquierda a derecha: Raul Bussot Jr., Choi Siwon y el artista Kim Hongrok.
Segunda exposición individual
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: McDonald’s
A Clue to the Recovery of Authenticity: McDonald’s / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
«Un indicio para la recuperación de la autenticidad: McDonald’s» fue la segunda exposición individual, celebrada en 2013. Kim Hongrok aplicó polvo de diamante sobre envoltorios de hamburguesas de McDonald’s recogidos en distintas ciudades.
Para la familia Bussot, McDonald’s quedó en la memoria como la primera comida que probaron tras llegar a Estados Unidos; en la obra, aparece como la experiencia concreta de su primer encuentro con una sociedad liberal y capitalista. Para otros espectadores, puede ser una comida cotidiana o una marca internacional conocida. La pieza muestra que un mismo objeto puede adquirir significados y valores distintos según la experiencia personal, el lugar y la época.
Sobre envoltorios producidos en masa y desechados como basura después de usarse, el artista aplicó polvo de diamante, un material que posee un precio y un valor de intercambio realmente elevados en el mercado capitalista. Para la familia Bussot, el envoltorio es el rastro del primer encuentro con el capitalismo, mientras que el diamante es una piedra preciosa en la que se concentra valor dentro de ese sistema y que se comercializa a un precio elevado.
Al encontrarse la basura y la joya sobre un mismo plano, el rastro más cotidiano del consumo —que para una familia marcó el punto de partida del capitalismo— se conecta con uno de los extremos de máxima concentración de valor dentro de ese sistema. Sin señalar el capitalismo directamente mediante palabras o consignas, la relación entre los dos materiales condensa y revela su amplio espectro de valores.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Chicago, America / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ho Chi Minh, Vietnam / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Buenos Aires, Argentina / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
Según los materiales de la exposición de la época, el artista reunió envoltorios de McDonald’s de 20 países con la ayuda de numerosas personas. Cada obra recibió el nombre de la ciudad y el país en que se había recogido el envoltorio. La serie reunió así el proceso por el que una marca internacional se produce, distribuye y consume en regiones diferentes.
Según los registros del artista, para reunir los envoltorios solicitó la colaboración, entre otros, de embajadas de la República de Corea en diversos países. Choi Siwon informó a sus seguidores en el extranjero sobre la búsqueda, y personas que residían fuera de Corea también participaron en la recogida de materiales.
El artista dejó constancia de que, durante el proceso de recopilación, desde algunas regiones le respondieron que allí no había restaurantes McDonald’s. La serie muestra así que las condiciones de acceso a los mismos bienes y servicios variaban según el país y el sistema social.
En esta serie, McDonald’s es tanto la primera comida que la familia Bussot probó en Estados Unidos como un objeto que permitió experimentar el capitalismo de forma concreta a través del consumo cotidiano y de la producción y distribución globales. Al reunir un producto de consumo diario que se desecha después de usarlo y una piedra preciosa con un precio y un valor de intercambio realmente elevados, la obra muestra cómo se forman y se intercambian valores diferentes dentro del capitalismo.
El proceso por el que un envoltorio destinado a la basura se encuentra con el polvo de diamante, se transforma en una obra de arte y adquiere un nuevo valor también se vincula con el funcionamiento del capitalismo, en el que el valor se crea y se amplía mediante la producción, la distribución, el intercambio y la creación. La obra invita a reconsiderar las opciones, las oportunidades y la posibilidad de crear valor que el capitalismo abrió para las personas, así como la importancia del sistema que ofreció a la familia Bussot la posibilidad de una nueva vida.
Algunas obras de la serie se presentaron también en LA Art Show, celebrada en 2014 en el Centro de Convenciones de Los Ángeles.
Tercera exposición individual
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Esclava sexual militar
A Clue to the Recovery of Authenticity: Military Sex Slave / Film and installation, 2015, Kim Hongrok
«Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Esclava sexual militar» fue la tercera exposición individual y se celebró del 23 de julio al 23 de agosto de 2015.
En lugar de la expresión de uso común «mujeres de consuelo del ejército japonés», el artista empleó en el título de la exposición las palabras «militar», «sexual» y «esclava». Con ello buscó mostrar de manera más directa la naturaleza de la guerra y de la violencia sexual institucionalizada que aborda la exposición.
La exposición registró mediante vídeo e instalación a cinco víctimas del sistema de «mujeres de consuelo» del ejército japonés que seguían con vida cuando se creó la obra en 2015: Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim e Il-chool Kang.
Las tres exposiciones individuales forman una secuencia que examina cómo distintos sistemas e historias afectan la vida de las personas. La primera abordó el valor y la importancia del liberalismo mediante la elección y el desplazamiento de una familia; la segunda trató los valores que se forman dentro del capitalismo y su significado mediante la combinación de objetos diferentes. La tercera permitió afrontar las consecuencias que el imperialismo dejó en la vida individual a través de los rostros y las miradas de cinco mujeres.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Park
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Ok-seon Park / Proyección sobre algodón, 2015, Kim Hongrok / 00:00:44
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Lee
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Ok-seon Lee / Proyección sobre algodón, 2015, Kim Hongrok / 00:02:19
La obra se configuró proyectando los vídeos de las cinco mujeres sobre una estructura de tela blanca de 2 m de alto y 2 m de ancho.
En los vídeos, las cinco mujeres no recrean la violencia sufrida ni recitan un texto preparado. Sentadas en una silla, miran a la cámara y reducen al mínimo los gestos que pudieran dirigir una emoción determinada. El público queda a la altura de los ojos de una imagen proyectada a un tamaño cercano al de la persona real.
Según los registros de trabajo del artista, durante la filmación algunas de las cinco mujeres preguntaron si las estaban grabando para un reportaje periodístico o para un retrato funerario. Tras saber que se trataba de una filmación para una obra de arte, algunas se arreglaron el cabello o se cambiaron de ropa antes de sentarse frente a la cámara.
Esta configuración se relaciona con una forma de trabajo que no limita a las cinco mujeres a una sola emoción o a una «imagen propia de una víctima», sino que busca registrarlas como personas individuales con los nombres Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim e Il-chool Kang.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Il-chool Kang
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Il-chool Kang / Proyección sobre algodón, 2015, Kim Hongrok / 00:03:45
Un visitante frente a la imagen de la fallecida Kun-ja Kim en la obra
En la sala de exposiciones se colocó la misma silla en la que cada una de las cinco mujeres se había sentado durante la filmación. La silla registrada en el vídeo y la silla real quedaban una frente a la otra, enlazando el momento de la filmación con el presente de la exposición.
El público podía sentarse en aquella silla, situarse a la altura de los ojos de la persona del vídeo y encontrarse con su mirada. La silla se convirtió en un medio que conectaba a las cinco participantes de la filmación con el público posterior y hacía posible que se encontraran frente a frente.
Kun-ja Kim nació en 1926 en Pyeongchang, provincia de Gangwon. En 1942 fue llevada por la fuerza a una estación de «consuelo» del ejército japonés en Hunchun, provincia de Jilin, China. Allí sufrió abusos durante unos tres años, hasta la liberación, y después regresó a Corea.
En 2007 testificó sobre los abusos sufridos en una audiencia del Comité de Asuntos Exteriores de la Cámara de Representantes de Estados Unidos. En 2000 y 2006 donó 50 millones de wones en cada ocasión, un total de 100 millones, a The Beautiful Foundation, sentando las bases del «Fondo de la abuela Kun-ja Kim». Con nuevas aportaciones ciudadanas, el fondo había financiado hasta julio de 2017 los estudios de unos 250 universitarios que habían dejado centros de protección infantil.
Por su testimonio y su labor filantrópica, Kun-ja Kim recibió en 2014 la Orden del Mérito Civil, Medalla Camelia. La obra creada en 2015 también la registra luciendo la condecoración.
Kun-ja Kim falleció el 23 de julio de 2017.
Después de la creación de la obra, Soon-ok Kim falleció el 5 de diciembre de 2018; Ok-seon Park, el 7 de septiembre de 2024; e Il-chool Kang, el 28 de marzo de 2026. En la actualidad, las cinco mujeres registradas en la obra de 2015 han fallecido.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Kun-ja Kim
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Kun-ja Kim / Proyección sobre algodón, 2015, Kim Hongrok / 00:04:21
Esta obra no reduce la historia de las víctimas del sistema de «mujeres de consuelo» del ejército japonés a una sola explicación o emoción. Sitúa ante el público actual los nombres, los rostros y las miradas de las cinco mujeres e invita a observar las consecuencias que el imperialismo y la guerra dejaron en las vidas individuales.
Los vídeos y la silla conservada desde la filmación permiten que el público posterior, que ya no puede encontrarse personalmente con estas cinco mujeres, contemple sus imágenes y cruce con ellas la mirada a la misma altura.
Autenticidad, indicio, recuperación
En el título de la obra, la «autenticidad» alude a la razón que dio origen al trabajo y a la esencia y los fundamentos de los temas y acontecimientos que aborda, más allá de las imágenes visibles en su superficie y de las valoraciones habituales sobre ellos. En lugar de fijar la interpretación en una única conclusión, deja un margen para acercarse a ese origen desde distintas miradas y situaciones.
La práctica de Kim Hongrok no se centra en ofrecer al público una interpretación como respuesta correcta, sino en presentar objetos y situaciones desde los que pueda comenzar una reflexión. Esto no significa, sin embargo, que la perspectiva o los valores de la obra sean imprecisos. Mediante personas, objetos y acontecimientos concretos, el artista revela aquello que considera importante y permite que el público se enfrente directamente a su significado.
El «indicio» del título de la obra no designa una conclusión, sino una pista desde la que comenzar a pensar. Cumplen esa función elementos concretos como una acción cotidiana, el rostro de una persona, el recuerdo de una familia o un envoltorio desechado después de usarse.
La «recuperación» no significa volver por completo a un estado anterior, sino un proceso de aproximación a la esencia mediante una nueva mirada a acontecimientos, objetos y personas que se habían aceptado como familiares.
La serie «Un indicio para la recuperación de la autenticidad» comenzó con la acción cotidiana de cepillarse los dientes y continuó con la mirada social que rodea a una persona, el liberalismo manifestado en la elección y el desplazamiento de una familia, el capitalismo y los valores que se forman en su interior, y los rostros de las víctimas de la guerra.
Las distintas obras se presentan como puntos de partida para que el público vuelva a examinar aquello que creía conocer y reflexione sobre el significado que tienen en la vida individual la libertad y la elección, el valor y la dignidad humana.