Índice
El artista contemporáneo Kim Hongrok
Kim Hongrok es un artista contemporáneo coreano que comenzó con la pintura y amplió su práctica hacia la performance, la fotografía, el vídeo y la instalación.
Nació en 1985. Tras graduarse de la Escuela Secundaria Whimoon, ingresó en 2005 en el Departamento de Pintura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Hongik, donde se especializó en pintura.
Durante sus estudios universitarios, estableció un estudio propio y continuó trabajando tanto dentro como fuera de la universidad. Al relacionarse con fotógrafos, realizadores de vídeo, modelos, actores y personas activas en otros ámbitos, conoció diversas formas de trabajo y perspectivas. El hecho de que un mismo acontecimiento pueda interpretarse de manera distinta según la posición y la experiencia de quien lo observa se convirtió de forma natural en uno de sus intereses artísticos.
Entre los hechos y la percepción
Tras completar el servicio militar y regresar a la universidad, Kim Hongrok comenzó en 2008, aún como estudiante, a desarrollar su obra bajo el título común «Un indicio para la recuperación de la autenticidad», iniciando así su actividad como artista. En lugar de situar en primer plano las emociones o las conclusiones del artista, presentaba las circunstancias en las que se encuentran las personas, los acontecimientos y las acciones, dejando al público un espacio desde el cual iniciar su propia reflexión.
La «expresión objetiva» no significa aquí que desaparezcan el punto de vista del artista o los valores que orientan la obra. El juicio del artista interviene al elegir el objeto de la obra y configurar la situación. La objetividad que buscaba Kim Hongrok consistía, más bien, en reducir la escenificación emocional y las explicaciones directas para permitir que el objeto y la situación se presentaran primero ante el público.
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Cepillarse los dientes
Iniciada en 2008, «Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Cepillarse los dientes» es una obra de performance y fotografía que sitúa una acción cotidiana, repetida por muchas personas, en contextos con individuos y lugares diversos.
Cepillarse los dientes es, por lo general, un acto de higiene realizado en un espacio privado. El artista trasladó esta acción al espacio frente a una obra de arte, a un aula durante una clase de dibujo de desnudo y a una sala de cine. Sin embargo, el sentido de la obra no se limita a mostrar una acción conocida en un lugar inusual. En una misma escena, cepillarse los dientes funciona como un acto que invita a reconsiderar las relaciones entre el artista y la obra, el estudiante y el sujeto creador, el arte y la industria.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Jongsik Choi
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Jongsik Choi / Impresión Lambda, 2008, Kim Hongrok
Dos personas se cepillan los dientes frente a una obra del artista Jongsik Choi. En lugar de mostrar la contemplación de una obra de arte, esta pieza reúne en un mismo encuadre la obra y una acción cotidiana que Jongsik Choi realiza ante su propia creación. De este modo, invita a reconsiderar la relación que se establece entre quien produce una obra y la obra misma.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Nude Drawing Class
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Clase de dibujo de desnudo / Impresión Lambda, 2008, Kim Hongrok
La performance se realizó durante una clase de dibujo de desnudo. En una sesión dedicada a observar y dibujar el cuerpo humano, el artista eligió por decisión propia la acción de cepillarse los dientes y la convirtió en una obra.
Las posiciones de estudiante y artista coinciden en una misma escena, donde se muestra a un creador que concibe y realiza su obra según su propio criterio, incluso dentro del proceso educativo. La pieza no considera al estudiante únicamente como alguien que todavía no es artista, sino como un artista que ya crea y desarrolla su propia obra.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Megabox
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Megabox / Impresión Lambda, 2008, Kim Hongrok
Varias personas aparecen de pie, cepillándose los dientes juntas en el cine Megabox de COEX. Además de quienes se habían reunido para la sesión fotográfica, se invitó a participar a personas que pasaban por el lugar; algunas se sumaron de inmediato y se cepillaron los dientes durante la realización de la obra.
El cine llega al público mediante un sistema industrial de producción, distribución y exhibición. Las artes visuales también se relacionan con la sociedad a través de estructuras de creación, exposición, circulación y comercio.
Esta obra reúne en una misma imagen una característica común del cine y de las artes visuales: ambos son formas de expresión artística y, a la vez, existen bajo condiciones comerciales. Invita a reconsiderar las distintas percepciones y actitudes que aceptan con naturalidad la dimensión industrial del cine, pero entienden las artes visuales únicamente como un ámbito puro y separado del mercado.
En estas tres obras, cepillarse los dientes no se limita a trasladar una acción cotidiana a un lugar inusual. Funciona como un acto que invita a reconsiderar las relaciones y distinciones entre el artista y su propia obra, el estudiante y el sujeto creador, el arte y la industria.
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Seok-cheon Hong
A Clue to the Recovery of Authenticity: Seok-cheon Hong
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Seok-cheon Hong / Impresión Lambda, 2011, 120 × 120 cm, Kim Hongrok
Después de hacer pública su identidad sexual en 2000, Seok-cheon Hong dejó de aparecer sucesivamente en los programas de televisión en los que participaba. Con el paso del tiempo cambiaron las miradas de la sociedad y los medios, y Hong regresó a la televisión y retomó su actividad. Kim Hongrok realizó esta obra con él en 2011.
En lugar de juzgar cómo una persona ha cambiado con el tiempo, la obra propone observar cómo se han transformado las miradas de la sociedad y de los medios hacia esa misma persona. No define la identidad del retratado mediante una única explicación, sino que convierte en objeto de la obra el cambio de percepción que lo rodea.
Medios expandidos a partir de la pintura
Óleo sobre lienzo, 120 × 120 cm, 2010, Kim Hongrok
Mientras ampliaba sus medios de expresión hacia la fotografía, la performance y la instalación, Kim Hongrok siguió trabajando en pintura. No abandonó la pintura para trasladarse a otros medios; ha elegido cada medio según el objeto y el método de la obra.
Temple al huevo sobre tabla de madera, 2004, obra del portafolio de admisión a la Universidad Hongik, Kim Hongrok
Óleo sobre lienzo, 2007, autorretrato, Kim Hongrok
El temple al huevo de 2004, el autorretrato de 2007 y el óleo de 2010 muestran que la práctica de Kim Hongrok se originó en la pintura. La fotografía, la performance, el vídeo y la instalación que vinieron después pueden entenderse no como una ruptura con la pintura, sino como un proceso de expansión de sus formas de expresión.
Primera exposición individual
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Bussot, Raul
«Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Bussot, Raul», instalación, performance, vídeo, fotografía y texto, performance de cinco días, espacio expositivo abierto las 24 horas, 2013, Kim Hongrok
«Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Bussot, Raul» fue la primera exposición individual de Kim Hongrok. Abordó la experiencia de la familia Bussot, que en 1993 salió de Cuba en una balsa rumbo a Estados Unidos. Se inauguró el 25 de marzo de 2013, veinte años después del inicio de la travesía, y permaneció abierta hasta el 31 de marzo.
Los dos niños que viajaron con la familia tenían cuatro y cinco años; Raul Bussot Jr. tenía cinco. Según los recuerdos de la familia, Raul Bussot y sus acompañantes prepararon una balsa en un manglar, evitando la vigilancia de la guardia costera cubana, y salieron al mar de noche.
Raul Bussot Jr. recordaba cómo se apoyaban unos contra otros para compartir el calor corporal en el mar frío y cómo esperaba poder ver dibujos animados en televisión sin cortes de electricidad al llegar a Estados Unidos. Una tormenta los desvió de su ruta y permanecieron a la deriva durante cinco días. Primero los encontró un barco pesquero y después los rescató la Guardia Costera de Estados Unidos.
Kim Hongrok se reunió con Raul Bussot Jr. y lo entrevistó sobre la experiencia de su familia. En 2013, veinte años después, construyó una balsa de la misma forma y tamaño que la original, utilizando hierro, aluminio, ruedas de bicicleta y remos, y la instaló en la sala de exposiciones.
El artista y Raul Jr., ya adulto, comieron, durmieron y vivieron sobre la balsa durante cinco días. Para la performance utilizaron Spam, chocolate y agua, tomando como referencia los alimentos que la familia había preparado para la travesía. La sala permaneció abierta las 24 horas mientras duró la performance.
En esta obra, el público no se limitó a contemplar desde fuera un resultado acabado. Los visitantes se acercaban al lugar donde vivían el artista y Raul Jr., escuchaban su historia y conversaban con ellos; estos encuentros también pasaron a formar parte de la performance.
Vídeo grabado por la Guardia Costera de Estados Unidos / Florida, Estados Unidos / 6 minutos 50 segundos / 1993
La exposición también presentó un vídeo que documentaba la travesía y el rescate de 1993. Al situar en un mismo espacio el registro del pasado y la performance realizada 20 años después, el público podía observar conjuntamente la relación entre experiencia real, memoria y recreación.
La exposición situó la separación entre los Estados Unidos liberales y la Cuba socialista junto a la relación entre Corea del Sur y Corea del Norte. Comparó, dentro de una misma obra, las diferencias entre sistemas que se manifiestan en tiempos y lugares distintos.
Exactamente 20 años después, en 2013, el artista llevó de nuevo a una sala de exposiciones de la República de Corea la historia de la familia Bussot, que en 1993 dejó la Cuba socialista rumbo a los Estados Unidos liberales. Al releerse la relación entre Estados Unidos y Cuba a través de la relación entre la República de Corea y Corea del Norte, se cruzaban los valores y símbolos de dos tiempos y lugares distintos.
La travesía de la familia Bussot se presenta no solo como una experiencia migratoria circunscrita a una región, sino como un acontecimiento en el que una familia eligió la dirección de su propia vida entre dos sistemas diferentes. Su experiencia muestra al público actual el valor y la importancia que tiene en la vida el liberalismo, al garantizar la elección y el desplazamiento individuales.
Raul Bussot Jr. y el artista Kim Hongrok, sentados en la balsa durante la performance. Detrás de ellos se ve el texto que documenta la travesía de la familia Bussot.
Vista de la exposición con la balsa, los retratos fotográficos y el vídeo de la entrevista dispuestos juntos
Vista de la exposición en la que la instalación de la balsa y el vídeo que documenta la travesía y el rescate de 1993 están dispuestos uno frente al otro.
Muro de la exposición con retratos fotográficos de la familia Bussot y de las personas que compartieron la travesía.
Muro de la exposición con un texto que documenta el desarrollo de la travesía de la familia Bussot.
Esta performance no pretendía reproducir exactamente la experiencia de veinte años atrás. Mediante las limitaciones de espacio, tiempo y alimentos, buscaba acercarse a los recuerdos de una familia y compartir con el público actual el significado de su elección de la libertad.
Según los recuerdos de la familia Bussot, lo primero que comieron tras llegar a Estados Unidos en 1993 fue comida de McDonald’s. A partir de aquel recuerdo, Kim Hongrok y Raul Bussot Jr. comieron comida de McDonald’s sobre la balsa el último día de la performance de 2013. Esta experiencia dio paso a la segunda exposición individual de Kim Hongrok, «Un indicio para la recuperación de la autenticidad: McDonald’s», celebrada ese mismo año.
Kim Hongrok y Raul Bussot Jr. comiendo comida de McDonald’s sobre la balsa el último día de la performance, 30 de marzo de 2013
Segunda exposición individual
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: McDonald’s
«Un indicio para la recuperación de la autenticidad: McDonald’s», polvo de diamante sobre envoltorio de hamburguesa, 2013, Kim Hongrok
«Un indicio para la recuperación de la autenticidad: McDonald’s» fue la segunda exposición individual, celebrada en 2013. Kim Hongrok aplicó polvo de diamante sobre envoltorios de hamburguesas de McDonald’s recogidos en distintas ciudades.
Para la familia Bussot, McDonald’s quedó en la memoria como la primera comida que probaron tras llegar a Estados Unidos; en la obra, aparece como la experiencia concreta de su primer encuentro con el liberalismo y la sociedad capitalista. Para otros espectadores, puede ser una comida cotidiana o una marca internacional conocida. La pieza muestra que un mismo objeto puede adquirir significados y valores distintos según la experiencia personal, el lugar y la época.
Kim Hongrok aplicó sobre envoltorios producidos en masa y desechados tras su uso un material denominado «polvo de diamante», de alto precio y valor de intercambio en el mercado capitalista. El material utilizado en la obra no es polvo, sino diminutos diamantes naturales con varias facetas que reflejan la luz.
Un producto de consumo desechado y una piedra preciosa coinciden sobre una misma superficie. Así se conecta la huella de un consumo cotidiano que marcó el primer encuentro de una familia con el capitalismo con un objeto en el que se concentra el valor de mercado. Sin nombrar el capitalismo mediante palabras o consignas, la relación entre ambos materiales condensa y muestra la diversidad de valores que se forman dentro de él.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Chicago, America / polvo de diamante sobre envoltorio de hamburguesa, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ho Chi Minh, Vietnam / polvo de diamante sobre envoltorio de hamburguesa, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Buenos Aires, Argentina / polvo de diamante sobre envoltorio de hamburguesa, 2013, Kim Hongrok
Según los materiales de la exposición de la época, Kim Hongrok reunió envoltorios de McDonald’s de veinte países con la ayuda de numerosas personas. Cada obra recibió el nombre de la ciudad y el país donde se había recogido su envoltorio. La serie reúne así las huellas de una misma marca global que se produce, distribuye y consume en regiones distintas.
Según los registros del artista, para reunir los envoltorios solicitó la colaboración, entre otros, de embajadas de la República de Corea en diversos países. Choi Siwon informó a sus seguidores en el extranjero sobre la búsqueda, y personas que residían fuera de Corea también participaron en la recogida de materiales.
El artista dejó constancia de que, durante la recopilación, recibió respuestas de algunas regiones indicando que allí no había restaurantes McDonald’s. La serie incorpora también el hecho de que la presencia de la marca variaba de una región a otra en aquel momento.
En esta serie, McDonald’s es tanto la primera comida que la familia Bussot probó en Estados Unidos como un objeto que permitió experimentar el capitalismo de forma concreta a través del consumo cotidiano y de la producción y distribución globales. Al reunir un producto de consumo diario que se desecha después de usarlo y una piedra preciosa con un precio y un valor de intercambio realmente elevados, la obra muestra cómo se forman y se intercambian valores diferentes dentro del capitalismo.
El envoltorio destinado a desecharse adquiere un nuevo valor al encontrarse con el polvo de diamante y convertirse en una obra de arte. Este proceso se relaciona con el funcionamiento del capitalismo, que crea y amplía el valor mediante la producción, la distribución, el intercambio y la creación. A partir del capitalismo que la familia Bussot experimentó tras llegar a Estados Unidos, la obra reconsidera las posibilidades de elección individual, las oportunidades y la creación de valor.
Algunas obras de la serie se presentaron también en LA Art Show, celebrada en 2014 en el Centro de Convenciones de Los Ángeles.
Tercera exposición individual
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Esclava sexual militar
Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Esclava sexual militar / Vídeo e instalación, 2015 / Kim Hongrok
«Un indicio para la recuperación de la autenticidad: Esclava sexual militar» fue la tercera exposición individual y se celebró del 23 de julio al 23 de agosto de 2015.
En lugar de la expresión de uso común «mujeres de consuelo del ejército japonés», el artista empleó en el título de la exposición las palabras «militar», «sexual» y «esclava». Con ello buscó mostrar de manera más directa la naturaleza de la guerra y de la violencia sexual institucionalizada que aborda la exposición.
La exposición registró mediante vídeo, fotografía e instalación a cinco supervivientes de la esclavitud sexual del ejército japonés que vivían cuando se realizó la obra en 2015: Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim e Il-chool Kang.
Las tres exposiciones individuales forman una secuencia que examina cómo distintos sistemas e historias afectan la vida de las personas. La primera abordó el valor y la importancia del liberalismo mediante la elección y el desplazamiento de una familia; la segunda trató los valores que se forman dentro del capitalismo y su significado mediante la combinación de objetos diferentes. La tercera registró las consecuencias que el imperialismo dejó en la vida individual a través de los rostros y las miradas de cinco mujeres.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Park
Fotografía, 2015 / Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Lee
Fotografía, 2015 / Kim Hongrok
La instalación proyectaba los vídeos de las cinco mujeres sobre una pantalla de algodón blanco de 3 × 2 m.
En los vídeos, las cinco mujeres no recrean la violencia sufrida ni recitan un texto preparado. Sentadas en una silla, miran a la cámara y reducen al mínimo los gestos que pudieran dirigir una emoción determinada. El público queda a la altura de los ojos de una imagen proyectada a un tamaño cercano al de la persona real.
Según los registros de trabajo del artista, durante la filmación algunas de las cinco mujeres preguntaron si las estaban grabando para un reportaje periodístico o para un retrato funerario. Tras saber que se trataba de una filmación para una obra de arte, algunas se arreglaron el cabello o se cambiaron de ropa antes de sentarse frente a la cámara.
Esta configuración se relaciona con una forma de trabajo que no limita a las cinco mujeres a una sola emoción o a una «imagen propia de una víctima», sino que busca registrarlas como personas individuales con los nombres Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim e Il-chool Kang.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Il-chool Kang
Fotografía, 2015 / Kim Hongrok
Un visitante encuentra la mirada de la fallecida Kun-ja Kim en el vídeo
En la sala de exposiciones se colocó la misma silla en la que cada una de las cinco mujeres se había sentado durante la filmación. La silla registrada en el vídeo y la silla real quedaban una frente a la otra, enlazando el momento de la filmación con el presente de la exposición.
El público podía sentarse en aquella silla, situarse a la altura de los ojos de la persona del vídeo y encontrarse con su mirada. La silla se convirtió en un medio que conectaba a las cinco participantes de la filmación con el público posterior y hacía posible que se encontraran frente a frente.
Kun-ja Kim nació en 1926 en Pyeongchang, provincia de Gangwon. En 1942 fue llevada por la fuerza a una estación de «consuelo» del ejército japonés en Hunchun, provincia de Jilin, China. Allí sufrió abusos durante unos tres años, hasta la liberación, y después regresó a Corea.
En 2007, Kun-ja Kim testificó sobre los abusos sufridos en una audiencia celebrada en el marco del Comité de Asuntos Exteriores de la Cámara de Representantes de Estados Unidos. En 2000 y 2006 donó cincuenta millones de wones en cada ocasión, cien millones en total, a The Beautiful Foundation, sentando las bases del «Fondo de la abuela Kun-ja Kim». Con nuevas aportaciones ciudadanas, el fondo había contribuido hasta julio de 2017 al pago de las matrículas de unos 250 universitarios que habían dejado centros de protección infantil.
Por su testimonio y su labor filantrópica, Kun-ja Kim recibió en 2014 la Orden del Mérito Civil, Medalla Camelia. La obra creada en 2015 también la registra luciendo la condecoración.
Kun-ja Kim falleció el 23 de julio de 2017.
Después de la creación de la obra, Soon-ok Kim falleció el 5 de diciembre de 2018; Ok-seon Park, el 7 de septiembre de 2024; e Il-chool Kang, el 28 de marzo de 2026.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Kun-ja Kim
Fotografía, 2015 / Kim Hongrok
Esta obra no reduce la historia de las víctimas de la esclavitud sexual del ejército japonés a una sola explicación o emoción. Sitúa ante el público actual los nombres, los rostros y las miradas de las cinco mujeres e invita a observar las consecuencias del imperialismo y la guerra en la vida de las personas.
Los vídeos y la silla utilizada durante la filmación permiten que el público actual que no puede conocer a estas cinco mujeres en persona contemple sus imágenes a la misma altura de los ojos.
Autenticidad, indicio, recuperación
En el título de la obra, la «autenticidad» alude a la razón que dio origen al trabajo y a su esencia, más allá de las imágenes visibles en su superficie y de las valoraciones habituales sobre los temas y acontecimientos que aborda. En lugar de fijar la interpretación en una única conclusión, deja un margen para acercarse a ese origen desde distintas miradas y situaciones.
Kim Hongrok se centra en mostrar personas, objetos y acontecimientos concretos para que el público pueda reflexionar por sí mismo, en lugar de ofrecerle una interpretación predeterminada. Esto no significa que la perspectiva o los valores de su obra sean imprecisos. El artista elige aquello que considera importante y configura situaciones que permiten al público examinar su significado.
El «indicio» del título de la obra no designa una conclusión, sino una pista desde la que comenzar a pensar. Cumplen esa función elementos concretos como una acción cotidiana, el rostro de una persona, el recuerdo de una familia o un envoltorio desechado después de usarse.
La «recuperación» no significa volver por completo a un estado anterior, sino un proceso de aproximación a la esencia mediante una nueva mirada a acontecimientos, objetos y personas que se habían aceptado como familiares.
La serie «Un indicio para la recuperación de la autenticidad» comenzó con el acto cotidiano de cepillarse los dientes. Después abordó las miradas sociales sobre una persona, la elección y el desplazamiento de una familia, el valor del liberalismo, los valores que se forman en el capitalismo y los rostros de las víctimas de la guerra.
Mediante sus distintas obras, Kim Hongrok invita al público a examinar de nuevo aquello que creía conocer y a pensar en el significado de la libertad y la elección, el valor y la dignidad humana en la vida de las personas.