Artiste Kim Hongrok
Kim Hongrok est un artiste contemporain coréen qui, parti de la peinture sur toile, a élargi son champ d’expression à la performance, à la photographie, à la vidéo et à l’installation.
Né en 1985, il a obtenu son diplôme du lycée Whimoon avant d’intégrer, en 2005, le département de peinture de la faculté des beaux-arts de l’Université Hongik, où il s’est spécialisé en peinture.
Pendant ses études universitaires, il a aménagé son propre atelier et poursuivi son travail au sein comme en dehors de l’université. Ses échanges avec des photographes, des vidéastes, des mannequins, des acteurs et des personnes exerçant dans d’autres domaines lui ont permis de découvrir diverses méthodes de travail et différents points de vue. Le fait qu’un même événement puisse être interprété différemment selon la position et l’expérience de celui qui le regarde est ainsi devenu l’un de ses centres d’intérêt.
Entre faits et perceptions
Après avoir achevé son service militaire et repris ses études, Kim Hongrok a commencé en 2008, alors qu’il était encore étudiant, à développer ses œuvres sous le titre commun Un indice vers le rétablissement de l’authenticité, inaugurant ainsi son activité d’artiste. Plutôt que de placer les émotions ou les conclusions de l’artiste au premier plan, il présentait les situations dans lesquelles se trouvaient des personnes, des événements et des actions, laissant au public la possibilité d’entamer sa propre réflexion.
Ici, l’« expression objective » ne signifie pas que le point de vue de l’artiste ou les valeurs portées par l’œuvre disparaissent. Le jugement de l’artiste intervient nécessairement dans le choix du sujet et la construction de la situation. L’objectivité recherchée par Kim Hongrok relève plutôt d’une attitude qui consiste à réduire la mise en scène émotionnelle et l’explication directe, afin que le sujet et la situation se présentent d’abord au public.
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Le brossage des dents
Commencée en 2008, la série Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Le brossage des dents réunit des performances et des photographies qui placent un geste quotidien, répété par un grand nombre de personnes, parmi différents individus et dans différents lieux.
Le brossage des dents est généralement un geste d’hygiène accompli dans un espace privé. L’artiste a déplacé cette action devant une œuvre d’art, dans un atelier pendant un cours de dessin de nu, puis dans un cinéma. La portée de l’œuvre ne se limite toutefois pas à montrer un geste familier dans des lieux inhabituels. Le brossage des dents devient un acte qui invite à reconsidérer, au sein d’une même scène, les relations entre l’artiste et l’œuvre, l’étudiant et le sujet créateur, l’art et l’industrie.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Jongsik Choi
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Jongsik Choi / Lambda print, 2008, Kim Hongrok
Deux personnes se brossent les dents devant une œuvre de Jongsik Choi. Plutôt que de représenter la contemplation d’une œuvre d’art, ce travail place dans une même image l’œuvre et un geste corporel quotidien accompli par Choi devant sa propre création. Il conduit ainsi à reconsidérer la relation qui se forme entre la personne ayant créé une œuvre et l’œuvre elle-même.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Nude Drawing Class
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Cours de dessin de nu / Lambda print, 2008, Kim Hongrok
Cette performance a eu lieu pendant un cours de dessin de nu. Au sein d’un cours consacré à l’observation et au dessin du corps humain, l’artiste a choisi de sa propre initiative le geste de se brosser les dents et l’a transformé en œuvre.
La position de l’étudiant qui suit un cours et celle de l’artiste qui crée une œuvre se superposent dans une même scène. Avant même son statut d’étudiant apparaît ainsi son identité de sujet créateur, capable de commencer et d’exécuter un travail selon son propre jugement. L’étudiant n’est pas réduit à un être provisoire qui ne serait pas encore devenu artiste : il est envisagé comme un artiste en mesure de créer et d’accomplir lui-même une œuvre au sein du processus éducatif.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Megabox
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Megabox / Lambda print, 2008, Kim Hongrok
Plusieurs personnes se tiennent debout et se brossent les dents ensemble au Megabox du COEX. Outre les participants réunis pour la prise de vue, des passants présents aux alentours ont été invités à prendre part au projet ; certains les ont rejoints sur-le-champ et se sont brossé les dents avec eux pour la réalisation de l’œuvre.
Le cinéma est un lieu où l’art cinématographique rencontre son public à travers un système industriel de production, de distribution et de projection. Les arts visuels rencontrent eux aussi la société au sein de structures de création et d’exposition, de circulation et de transaction.
Cette œuvre réunit dans une même image le point commun entre le cinéma et les arts visuels : tous deux sont des formes d’expression artistique qui existent dans des conditions commerciales. Elle invite à reconsidérer les perceptions et les attitudes divergentes qui conduisent à accepter naturellement le caractère industriel du cinéma, tout en considérant les arts visuels comme un domaine pur et entièrement séparé du marché.
Dans ces trois œuvres, le brossage des dents ne consiste pas simplement à déplacer un geste quotidien dans un lieu inhabituel. Il fonctionne comme un acte qui amène à reconsidérer les relations et les distinctions entre l’artiste et sa propre œuvre, l’étudiant et le sujet créateur, l’art et l’industrie.
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Seok-cheon Hong
A Clue to the Recovery of Authenticity: Seok-cheon Hong
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Seok-cheon Hong / Lambda print, 2011, 120 × 120 cm, Kim Hongrok
Après avoir rendu publique son homosexualité en 2000, Seok-cheon Hong a dû quitter successivement les émissions de télévision auxquelles il participait. Au terme d’une longue période, les perceptions sociales ont peu à peu évolué ; il est revenu à la télévision et a repris une activité soutenue. Kim Hongrok a réalisé cette œuvre avec lui en 2011, alors que ces changements se poursuivaient.
Plutôt que de juger la manière dont une personne aurait changé au fil du temps, l’œuvre invite à observer comment le regard de la société et des médias sur cette même personne s’est transformé. Elle ne définit pas son identité par une explication unique, mais prend pour sujet l’évolution des perceptions qui l’entourent.
L’élargissement des médiums à partir de la peinture
Oil on canvas, 120 × 120 cm, 2010, Kim Hongrok
Kim Hongrok a continué à peindre tout en étendant son champ d’expression à la photographie, à la performance et à l’installation. Il n’a pas abandonné la peinture pour passer à d’autres médiums : il a choisi son médium en fonction du sujet et de la méthode propres à chaque œuvre.
Egg tempera on a wooden board, 2004, parmi les œuvres du portfolio d’admission à l’Université Hongik, Kim Hongrok
Oil on canvas, 2007, Self-portrait, Kim Hongrok
L’œuvre à la tempera à l’œuf de 2004, l’autoportrait de 2007 et la peinture à l’huile de 2010 montrent que la pratique de Kim Hongrok trouve son origine dans la peinture. La photographie, la performance, la vidéo et l’installation qui ont suivi peuvent être comprises non comme une rupture avec la peinture, mais comme un processus d’élargissement de ses moyens d’expression.
Première exposition personnelle
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Bussot, Raul
A Clue to the Recovery of Authenticity: Bussot, Raul / Installation, performance, film, photography and text / Five-day performance / Gallery open 24 hours during the performance, 2013, Kim Hongrok
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Bussot, Raul est la première exposition personnelle de Kim Hongrok. Elle porte sur l’expérience de la famille Bussot, qui a quitté Cuba en direction des États-Unis sur un radeau en 1993. Faisant coïncider ses dates avec celles du voyage et du sauvetage de la famille, du 25 au 30 mars 1993, l’exposition s’est tenue exactement vingt ans plus tard, du 25 au 31 mars 2013.
Raul Bussot Jr. avait cinq ans en 1993. Selon les souvenirs de la famille, le père de Raul et deux compagnons ont préparé un radeau dans une mangrove, à l’abri de la surveillance des garde-côtes cubains, puis ont pris la mer de nuit.
Raul Bussot Jr. se souvenait que les membres de sa famille s’étaient serrés les uns contre les autres pour conserver leur chaleur dans la mer froide, et qu’il espérait pouvoir regarder des dessins animés à la télévision sans coupures de courant une fois arrivé aux États-Unis. Déportée de sa route par une tempête au cours de la traversée, la famille a dérivé pendant cinq jours avant d’être secourue avec l’aide des garde-côtes des États-Unis.
Kim Hongrok a rencontré Raul Bussot Jr. et l’a interrogé sur l’expérience de sa famille. En 2013, vingt ans après les faits, il a fabriqué un radeau en aluminium de mêmes forme et dimensions d’après le radeau d’origine, puis l’a installé dans la galerie.
L’artiste et Raul Bussot Jr., devenu adulte, ont mangé, dormi et vécu sur le radeau pendant cinq jours. En référence aux provisions préparées par la famille à l’époque, ils ont utilisé du Spam, du chocolat et de l’eau dans la performance. La galerie est restée ouverte vingt-quatre heures sur vingt-quatre pendant toute sa durée.
Dans cette œuvre, le public ne s’est pas contenté d’observer de l’extérieur un résultat achevé. Les visiteurs se sont approchés de l’espace où vivaient l’artiste et Raul Bussot Jr., ont écouté leur récit et ont échangé avec eux ; ces rencontres sont elles aussi devenues une composante de la performance.
Images enregistrées par les garde-côtes des États-Unis / Florida, USA / 6 minutes 50 secondes / 1993
Une vidéo retraçant le voyage et le sauvetage de 1993 était également présentée dans la galerie. La réunion, dans un même espace, de ce document du passé et de la performance réalisée vingt ans plus tard amenait le public à considérer les rapports entre expérience vécue, mémoire et reconstitution.
L’exposition établissait une correspondance entre la relation de confrontation et de rupture qui opposait les États-Unis, inscrits dans un système libéral, à Cuba, sous un système socialiste, et celle qui met face à face la Corée du Sud, inscrite dans un système libéral, et la Corée du Nord, sous un système socialiste. Elle superposait dans l’œuvre la structure commune de relations entre des systèmes où libéralisme et socialisme s’opposent.
Exactement vingt ans plus tard, en 2013, l’artiste a fait revenir dans un espace d’exposition sud-coréen le départ, en 1993, de la famille Bussot de Cuba, alors sous un système socialiste, vers les États-Unis, inscrits dans un système libéral. À mesure que la relation entre les États-Unis et Cuba était relue à travers celle entre la Corée du Sud et la Corée du Nord, les valeurs et les symboles de deux époques et de deux lieux distincts se croisaient.
Le voyage de la famille Bussot est présenté non pas seulement comme une expérience migratoire propre à une région, mais comme un événement au cours duquel une famille a choisi l’orientation de sa vie entre deux systèmes différents. Son expérience révèle au public d’aujourd’hui la valeur et l’importance, dans une vie, du libéralisme qui garantit le choix individuel et la liberté de déplacement.
Raul Bussot Jr. et l’artiste Kim Hongrok, assis sur le radeau pendant la performance. Derrière eux, on voit le texte retraçant le voyage de la famille Bussot.
Vue de l’exposition réunissant dans un même espace l’installation du radeau, les portraits photographiques de la famille Bussot et la vidéo d’entretiens.
Vue de l’exposition où l’installation du radeau fait face à la vidéo documentant la traversée et le sauvetage de 1993.
Mur de l’exposition présentant les portraits photographiques de la famille Bussot et des personnes ayant partagé la traversée.
Mur de l’exposition portant le texte qui retrace la traversée de la famille Bussot.
La performance ne partait pas du principe qu’une expérience vécue vingt ans auparavant pouvait être répétée à l’identique. À travers les conditions imposées par un espace, une durée et une quantité de nourriture limités, l’œuvre cherchait à approcher la mémoire d’une famille et à partager avec le public contemporain le sens de son choix de rechercher la liberté.
Selon les souvenirs de la famille Bussot, le premier repas qu’ils ont pris après leur arrivée aux États-Unis en 1993 venait de McDonald’s. Pour reprendre cette expérience, Kim Hongrok et Raul Bussot Jr. ont mangé un repas McDonald’s sur le radeau le dernier jour de la performance de 2013 ; cette expérience a mené à la deuxième exposition personnelle de Kim Hongrok, « Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : McDonald’s », présentée la même année.
Kim Hongrok et Raul Bussot Jr. mangeant un repas McDonald’s sur le radeau le dernier jour de la performance, le 30 mars 2013
Le maire de Séoul, Oh Se-hoon, et sa famille lors de leur visite de l’exposition. L’artiste Kim Hongrok apparaît à gauche de la photographie.
Choi Siwon visitant l’exposition pendant la performance. De gauche à droite : Raul Bussot Jr., Choi Siwon et l’artiste Kim Hongrok.
Deuxième exposition personnelle
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : McDonald’s
A Clue to the Recovery of Authenticity: McDonald’s / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : McDonald’s est la deuxième exposition personnelle de Kim Hongrok, organisée en 2013. L’artiste a appliqué de la poussière de diamant sur des emballages de hamburgers McDonald’s collectés dans plusieurs villes.
Pour la famille Bussot, McDonald’s est resté dans les mémoires comme le premier aliment découvert après son arrivée aux États-Unis ; dans l’œuvre, il apparaît comme l’expérience concrète d’une première rencontre avec le libéralisme et la société capitaliste. Pour d’autres visiteurs, il peut s’agir d’un repas ordinaire ou d’une marque internationale familière. L’œuvre montre qu’un même objet peut revêtir des significations et des valeurs différentes selon l’expérience personnelle, le lieu et l’époque.
L’artiste a appliqué de la poussière de diamant, dotée d’un prix et d’une valeur d’échange réellement élevés sur les marchés capitalistes, sur des emballages produits en série et jetés après usage. Pour la famille Bussot, l’emballage constitue la trace du moment où elle a rencontré le capitalisme pour la première fois ; le diamant est quant à lui une pierre précieuse dans laquelle la valeur se concentre et qui s’échange à un prix élevé au sein de ce système.
Lorsque le déchet et la pierre précieuse se rencontrent sur un même plan, la trace de consommation la plus ordinaire — qui a marqué, pour une famille, le point de départ du capitalisme — se trouve reliée à l’un des extrêmes de ce système, où la valeur est fortement concentrée. Sans désigner directement le capitalisme par des mots ou des slogans, la relation entre les deux matériaux condense et révèle son vaste éventail de valeurs.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Chicago, America / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ho Chi Minh, Vietnam / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Buenos Aires, Argentina / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
D’après les documents de l’exposition de l’époque, l’artiste a recueilli, avec l’aide de nombreuses personnes, des emballages McDonald’s provenant de vingt pays. Chaque œuvre portait le nom de la ville et du pays où son emballage avait été collecté. La série rassemblait ainsi les processus par lesquels une même marque internationale était produite, distribuée et consommée dans différentes régions.
Selon les archives de l’artiste, il a sollicité l’aide d’ambassades de Corée dans plusieurs pays et d’autres organismes afin de collecter les emballages. Choi Siwon a informé ses admirateurs à l’étranger de cette collecte, tandis que des personnes résidant hors de Corée ont elles aussi participé au rassemblement des matériaux.
L’artiste a indiqué avoir reçu, au cours de la collecte, des réponses de certaines régions lui signalant l’absence de restaurants McDonald’s. La série montre ainsi que les conditions d’accès aux mêmes biens et services différaient selon les pays et les systèmes politiques.
Dans cette série, McDonald’s est à la fois le premier aliment découvert par la famille Bussot aux États-Unis et un objet qui lui a fait expérimenter concrètement le capitalisme à travers la consommation quotidienne ainsi que la production et la distribution mondiales. En réunissant un produit de consommation ordinaire, jeté après usage, et une pierre précieuse dotée d’un prix et d’une valeur d’échange réellement élevés, l’œuvre montre comment différentes formes de valeur se forment et s’échangent au sein du capitalisme.
Le processus par lequel un emballage destiné à être jeté rencontre la poussière de diamant, se transforme en œuvre d’art et acquiert une nouvelle valeur rejoint également le fonctionnement du capitalisme, qui crée et développe la valeur par la production et la distribution, l’échange et la création. L’œuvre invite à réfléchir aux choix, aux occasions et à la possibilité de créer de la valeur que le capitalisme — apparu à la famille Bussot comme la perspective d’une nouvelle vie — a ouverts aux individus, ainsi qu’à l’importance de ces possibilités.
Une partie de la série a également été présentée au LA Art Show, organisé en 2014 au Los Angeles Convention Center.
Troisième exposition personnelle
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Esclavage sexuel militaire
A Clue to the Recovery of Authenticity: Military Sex Slave / Film and installation, 2015, Kim Hongrok
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Esclavage sexuel militaire est la troisième exposition personnelle de Kim Hongrok. Elle s’est tenue du 23 juillet au 23 août 2015.
À la place de l’expression courante « femmes de réconfort de l’armée japonaise », l’artiste a employé les mots « militaire », « sexe » et « esclave » dans le titre de l’exposition. Il cherchait ainsi à révéler plus directement la nature de la guerre et de la violence sexuelle institutionnelle dont traite l’exposition.
L’exposition a consigné par la vidéo et l’installation l’image de cinq victimes du système des « femmes de réconfort » de l’armée japonaise qui étaient encore en vie lors de la réalisation de l’œuvre en 2015 : Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim et Il-chool Kang.
Les trois expositions personnelles ont formé une réflexion continue sur les effets de différents systèmes politiques et de l’histoire sur la vie des individus. À travers le choix et le déplacement d’une famille, la première traitait de la valeur et de l’importance du libéralisme. À travers la réunion d’objets dissemblables, la deuxième examinait les valeurs formées au sein du capitalisme et leur signification. À travers les visages et les regards de cinq femmes, la troisième confrontait le public aux conséquences laissées par l’impérialisme dans des vies individuelles.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Park
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Ok-seon Park / Projection on cotton, 2015, Kim Hongrok / 00:00:44
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Lee
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Ok-seon Lee / Projection on cotton, 2015, Kim Hongrok / 00:02:19
L’œuvre était constituée par la projection des vidéos des cinq femmes sur une installation de tissu blanc mesurant 2 m de hauteur et 2 m de largeur.
Dans les vidéos, les cinq femmes ne rejouent pas les violences qu’elles ont subies et ne récitent aucun texte. Elles réduisent également au minimum les gestes destinés à mettre en scène une émotion particulière ; assises sur une chaise, elles regardent la caméra. Le public se retrouve à hauteur du regard des figures projetées, dont la taille est proche de celle des personnes réelles.
D’après les notes de travail de l’artiste, certaines des cinq femmes lui ont demandé, au moment du tournage, s’il réalisait un reportage journalistique ou un portrait funéraire. Après avoir appris qu’il s’agissait du tournage d’une œuvre d’art, certaines se sont coiffées ou ont changé de vêtements avant de s’asseoir face à la caméra.
Cette structure participe d’une méthode de travail qui ne réduit pas les cinq femmes à une émotion unique ni à une apparence supposée être celle d’une « victime », mais cherche à les consigner en tant qu’individus portant les noms d’Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim et Il-chool Kang.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Il-chool Kang
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Il-chool Kang / Projection on cotton, 2015, Kim Hongrok / 00:03:45
Une personne du public face à la défunte Kun-ja Kim dans l’œuvre
La même chaise sur laquelle chacune des cinq femmes s’était assise pendant le tournage a été placée dans la galerie. La chaise visible dans la vidéo et la chaise réelle étant disposées face à face, le temps du tournage se trouvait relié au présent de l’exposition.
Les visiteurs pouvaient s’asseoir sur la chaise, se placer à hauteur du regard de la personne dans la vidéo et croiser ses yeux. La chaise devenait un intermédiaire reliant les cinq femmes ayant participé au tournage aux visiteurs venus plus tard, et leur permettait de se faire face.
Kun-ja Kim est née en 1926 à Pyeongchang, dans la province de Gangwon. En 1942, elle a été emmenée dans une station de « réconfort » de l’armée japonaise à Hunchun, dans la province chinoise du Jilin, où elle a subi des violences pendant environ trois ans jusqu’à la Libération, avant de rentrer en Corée.
En 2007, elle a témoigné des violences subies lors d’une audition d’une sous-commission de la commission des Affaires étrangères de la Chambre des représentants des États-Unis. En 2000 puis en 2006, elle a versé à deux reprises 50 millions de wons, soit 100 millions de wons au total, à la fondation The Beautiful Foundation, jetant les bases du « Fonds Grand-mère Kim Kun-ja ». Enrichi par les dons du public, ce fonds avait financé, en juillet 2017, les frais de scolarité d’environ 250 étudiants ayant quitté un établissement de protection de l’enfance.
Pour ses témoignages et ses dons, Kun-ja Kim a reçu en 2014 la médaille Dongbaek de l’Ordre du Mérite civil de la République de Corée. L’œuvre réalisée en 2015 la montre également portant cette décoration.
Kun-ja Kim est décédée le 23 juillet 2017.
Après la réalisation de l’œuvre, Soon-ok Kim est décédée le 5 décembre 2018, Ok-seon Park le 7 septembre 2024 et Il-chool Kang le 28 mars 2026. Les cinq femmes consignées dans l’œuvre de 2015 sont aujourd’hui toutes décédées.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Kun-ja Kim
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Kun-ja Kim / Projection on cotton, 2015, Kim Hongrok / 00:04:21
Cette œuvre ne réduit pas l’histoire des victimes du système des « femmes de réconfort » de l’armée japonaise à une seule explication ni à une seule émotion. Elle place les noms, les visages et les regards des cinq femmes devant le public d’aujourd’hui, et l’amène à considérer les conséquences que l’impérialisme et la guerre ont laissées dans des vies individuelles.
Les traces conservées dans les vidéos et dans la chaise utilisée lors du tournage permettent aux visiteurs venus plus tard, qui ne peuvent plus rencontrer les cinq femmes en personne, de se trouver face à leur image et d’échanger un regard avec elles à la même hauteur.
Authenticité, indice, rétablissement
Dans le titre de l’œuvre, l’« authenticité » désigne la raison à l’origine de l’œuvre ainsi que l’essence et les fondements des sujets et des événements qu’elle aborde, au-delà des images visibles à sa surface et des jugements habituels portés sur eux. Plutôt que de figer l’interprétation dans une conclusion unique, l’œuvre laisse la possibilité de se rapprocher de cette source à travers des regards et des situations différents.
Le travail de Kim Hongrok vise à offrir au public des objets et des situations à partir desquels la réflexion peut commencer, plutôt qu’à présenter une interprétation unique comme la bonne réponse. Cela ne signifie toutefois pas que le point de vue ou les valeurs de l’œuvre soient indéterminés. Par l’intermédiaire de personnes, d’objets et d’événements concrets, l’artiste révèle les valeurs qu’il considère importantes et permet au public d’en rencontrer directement la signification.
L’« indice » du titre de l’œuvre n’est pas une conclusion, mais un point de départ pour la réflexion. Un geste quotidien, le visage d’une personne, le souvenir d’une famille ou un emballage jeté après usage peuvent jouer ce rôle.
Le « rétablissement » désigne moins un retour complet à un état passé qu’un processus consistant à reconsidérer des événements, des objets et des personnes devenus familiers, afin de tenter de se rapprocher de leur essence.
La série Un indice vers le rétablissement de l’authenticité a commencé par le geste quotidien de se brosser les dents, avant de se poursuivre à travers le regard de la société sur un individu, le libéralisme révélé par le choix et le déplacement d’une famille, le capitalisme et les valeurs qui s’y forment, puis les visages de victimes de guerre.
Ces différentes œuvres sont proposées comme autant de points de départ qui invitent le public à regarder de nouveau des sujets qu’il pensait déjà connaître, et à considérer ce que la liberté et le choix, la valeur et la dignité humaine signifient dans la vie des individus.