Sommaire
L’artiste contemporain Kim Hongrok
Kim Hongrok est un artiste contemporain coréen qui a commencé par la peinture avant d’étendre sa pratique à la performance, à la photographie, à la vidéo et à l’installation.
Né en 1985, il a obtenu son diplôme du lycée Whimoon avant d’intégrer, en 2005, le département de peinture de la faculté des beaux-arts de l’Université Hongik, où il s’est spécialisé en peinture.
Pendant ses études universitaires, il a aménagé son propre atelier et poursuivi son travail au sein comme en dehors de l’université. Ses échanges avec des photographes, des vidéastes, des mannequins, des acteurs et des personnes exerçant dans d’autres domaines lui ont permis de découvrir diverses méthodes de travail et différents points de vue. Le fait qu’un même événement puisse être interprété différemment selon la position et l’expérience de celui qui le regarde est ainsi devenu l’un de ses centres d’intérêt.
Entre faits et perceptions
Après avoir achevé son service militaire et repris ses études, Kim Hongrok a commencé en 2008, alors qu’il était encore étudiant, à développer ses œuvres sous le titre commun Un indice vers le rétablissement de l’authenticité, inaugurant ainsi son activité d’artiste. Plutôt que de placer les émotions ou les conclusions de l’artiste au premier plan, il présentait les situations dans lesquelles se trouvaient des personnes, des événements et des actions, laissant au public la possibilité d’entamer sa propre réflexion.
Ici, l’« expression objective » ne signifie pas que le point de vue de l’artiste ou les valeurs portées par l’œuvre disparaissent. Le jugement de l’artiste intervient nécessairement dans le choix du sujet et la construction de la situation. L’objectivité recherchée par Kim Hongrok relève plutôt d’une attitude qui consiste à réduire la mise en scène émotionnelle et l’explication directe, afin que le sujet et la situation se présentent d’abord au public.
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Le brossage des dents
Commencée en 2008, la série Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Le brossage des dents réunit des performances et des photographies qui placent un geste quotidien, répété par un grand nombre de personnes, parmi différents individus et dans différents lieux.
Le brossage des dents est généralement un geste d’hygiène accompli dans un espace privé. L’artiste a déplacé cette action devant une œuvre d’art, dans un atelier pendant un cours de dessin de nu, puis dans un cinéma. La portée de l’œuvre ne se limite toutefois pas à montrer un geste familier dans des lieux inhabituels. Le brossage des dents devient un acte qui invite à reconsidérer, au sein d’une même scène, les relations entre l’artiste et l’œuvre, l’étudiant et le sujet créateur, l’art et l’industrie.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Jongsik Choi
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Jongsik Choi / Tirage Lambda, 2008, Kim Hongrok
Deux personnes se brossent les dents devant une œuvre de Jongsik Choi. Plutôt que de représenter la contemplation d’une œuvre d’art, ce travail place dans une même image l’œuvre et un geste quotidien accompli par Choi devant sa propre création. Il conduit ainsi à reconsidérer la relation qui se forme entre la personne ayant créé une œuvre et l’œuvre elle-même.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Nude Drawing Class
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Cours de dessin de nu / Tirage Lambda, 2008, Kim Hongrok
Cette performance a eu lieu pendant un cours de dessin de nu. Au sein d’un cours consacré à l’observation et au dessin du corps humain, l’artiste a choisi de sa propre initiative le geste de se brosser les dents et l’a transformé en œuvre.
Les rôles d’étudiant et d’artiste se superposent dans une même scène, où apparaît un créateur qui conçoit et réalise ses œuvres selon son propre jugement, même dans le cadre de ses études. Le travail ne réduit pas l’étudiant à quelqu’un qui n’est pas encore artiste : il le présente comme un artiste qui crée et réalise déjà ses propres œuvres.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Megabox
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Megabox / Tirage Lambda, 2008, Kim Hongrok
Plusieurs personnes se tiennent debout et se brossent les dents ensemble au Megabox du COEX. Outre les participants réunis pour la prise de vue, des passants présents aux alentours ont été invités à prendre part au projet ; certains les ont rejoints sur-le-champ et se sont brossé les dents avec eux pour la réalisation de l’œuvre.
Le cinéma rencontre son public à travers un système industriel de production, de distribution et de projection. Les arts visuels entretiennent eux aussi des relations avec la société dans des structures de création, d’exposition, de circulation et de commerce.
Cette œuvre réunit dans une même image le point commun entre le cinéma et les arts visuels : tous deux sont des formes d’expression artistique qui existent dans des conditions commerciales. Elle invite à reconsidérer les perceptions et les attitudes divergentes qui conduisent à accepter naturellement le caractère industriel du cinéma, tout en considérant les arts visuels comme un domaine pur et entièrement séparé du marché.
Dans ces trois œuvres, le brossage des dents ne consiste pas simplement à déplacer un geste quotidien dans un lieu inhabituel. Il fonctionne comme un acte qui amène à reconsidérer les relations et les distinctions entre l’artiste et sa propre œuvre, l’étudiant et le sujet créateur, l’art et l’industrie.
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Seok-cheon Hong
A Clue to the Recovery of Authenticity: Seok-cheon Hong
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Seok-cheon Hong / Tirage Lambda, 2011, 120 × 120 cm, Kim Hongrok
Après avoir rendu publique son identité sexuelle en 2000, Seok-cheon Hong a successivement cessé d’apparaître dans les émissions de télévision auxquelles il participait. Avec le temps, les regards de la société et des médias ont évolué ; il est revenu à la télévision et a repris une activité soutenue. Kim Hongrok a réalisé cette œuvre avec lui en 2011.
Plutôt que de juger la manière dont une personne aurait changé au fil du temps, l’œuvre invite à observer comment le regard de la société et des médias sur cette même personne s’est transformé. Elle ne définit pas son identité par une explication unique, mais prend pour sujet l’évolution des perceptions qui l’entourent.
L’élargissement des médiums à partir de la peinture
Huile sur toile, 120 × 120 cm, 2010 / Kim Hongrok
Kim Hongrok a continué à peindre tout en étendant son champ d’expression à la photographie, à la performance et à l’installation. Il n’a pas abandonné la peinture pour passer à d’autres médiums : il a choisi son médium en fonction du sujet et de la méthode propres à chaque œuvre.
Tempera à l’œuf sur bois, 2004 / Œuvre du portfolio d’admission à l’Université Hongik / Kim Hongrok
Autoportrait / Huile sur toile, 2007 / Kim Hongrok
L’œuvre à la tempera à l’œuf de 2004, l’autoportrait de 2007 et la peinture à l’huile de 2010 montrent que la pratique de Kim Hongrok trouve son origine dans la peinture. La photographie, la performance, la vidéo et l’installation qui ont suivi peuvent être comprises non comme une rupture avec la peinture, mais comme un processus d’élargissement de ses moyens d’expression.
Première exposition personnelle
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Bussot, Raul
« Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Bussot, Raul », installation, performance, vidéo, photographie et texte, performance de cinq jours, espace d’exposition ouvert 24 heures sur 24, 2013, Kim Hongrok
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Bussot, Raul est la première exposition personnelle de Kim Hongrok. Elle porte sur l’expérience de la famille Bussot, qui a quitté Cuba sur un radeau à destination des États-Unis en 1993. L’exposition a ouvert le 25 mars 2013, vingt ans après le début de la traversée, et s’est tenue jusqu’au 31 mars.
Les deux enfants qui ont voyagé avec la famille avaient quatre et cinq ans; Raul Bussot Jr. avait cinq ans. Selon les souvenirs de la famille, Raul Bussot et ses compagnons ont préparé un radeau dans une mangrove, en évitant la surveillance des garde-côtes cubains, puis ont pris la mer de nuit.
Raul Bussot Jr. se souvenait s’être serré contre les autres pour partager leur chaleur dans la mer froide et avoir espéré regarder des dessins animés à la télévision sans coupures de courant aux États-Unis. Une tempête a détourné la famille de sa route; elle a dérivé pendant cinq jours. Repérée d’abord par un bateau de pêche, elle a ensuite été secourue par les garde-côtes des États-Unis.
Kim Hongrok a rencontré Raul Bussot Jr. et l’a interrogé sur l’expérience de sa famille. En 2013, vingt ans après la traversée, il a construit un radeau de mêmes dimensions et de même forme que celui d’origine, avec du fer, de l’aluminium, des roues de vélo et des rames, puis l’a installé dans la galerie.
L’artiste et Raul Bussot Jr., devenu adulte, ont mangé, dormi et vécu sur le radeau pendant cinq jours. En référence aux provisions préparées par la famille à l’époque, ils ont utilisé du Spam, du chocolat et de l’eau dans la performance. La galerie est restée ouverte vingt-quatre heures sur vingt-quatre pendant toute sa durée.
Dans cette œuvre, le public ne s’est pas contenté d’observer de l’extérieur un résultat achevé. Les visiteurs se sont approchés de l’espace où vivaient l’artiste et Raul Bussot Jr., ont écouté leur récit et ont échangé avec eux ; ces rencontres sont elles aussi devenues une composante de la performance.
Images enregistrées par les garde-côtes des États-Unis / Floride, États-Unis / 6 minutes 50 secondes / 1993
Une vidéo retraçant le voyage et le sauvetage de 1993 était également présentée dans la galerie. La réunion, dans un même espace, de ce document du passé et de la performance réalisée vingt ans plus tard amenait le public à considérer les rapports entre expérience vécue, mémoire et reconstitution.
L’exposition a rapproché la séparation entre les États-Unis libéraux et Cuba socialiste de la relation entre la Corée du Sud et la Corée du Nord. Elle a comparé, au sein d’une même œuvre, les différences entre systèmes politiques dans des époques et des lieux distincts.
Exactement vingt ans plus tard, en 2013, l’artiste a fait revenir dans un espace d’exposition sud-coréen le départ, en 1993, de la famille Bussot de Cuba, alors sous un système socialiste, vers les États-Unis, inscrits dans un système libéral. À mesure que la relation entre les États-Unis et Cuba était relue à travers celle entre la Corée du Sud et la Corée du Nord, les valeurs et les symboles de deux époques et de deux lieux distincts se croisaient.
Le voyage de la famille Bussot est présenté non pas seulement comme une expérience migratoire propre à une région, mais comme un événement au cours duquel une famille a choisi l’orientation de sa vie entre deux systèmes différents. Son expérience révèle au public d’aujourd’hui la valeur et l’importance, dans une vie, du libéralisme qui garantit le choix individuel et la liberté de déplacement.
Raul Bussot Jr. et l’artiste Kim Hongrok, assis sur le radeau pendant la performance. Derrière eux, on voit le texte retraçant le voyage de la famille Bussot.
Vue de l’exposition réunissant le radeau, les portraits photographiques et la vidéo de l’entretien
Vue de l’exposition où l’installation du radeau fait face à la vidéo documentant la traversée et le sauvetage de 1993.
Mur de l’exposition présentant les portraits photographiques de la famille Bussot et des personnes ayant partagé la traversée.
Mur de l’exposition portant le texte qui retrace la traversée de la famille Bussot.
Cette performance ne cherchait pas à reproduire exactement l’expérience vécue vingt ans auparavant. Les contraintes d’espace, de temps et de nourriture lui permettaient d’approcher les souvenirs d’une famille et de partager avec le public d’aujourd’hui le sens de son choix de rechercher la liberté.
Selon les souvenirs de la famille Bussot, le premier repas qu’ils ont pris après leur arrivée aux États-Unis en 1993 venait de McDonald’s. À partir de ce souvenir, Kim Hongrok et Raul Bussot Jr. ont mangé un repas McDonald’s sur le radeau le dernier jour de la performance de 2013. Cette expérience a mené à la deuxième exposition personnelle de Kim Hongrok, « Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : McDonald’s », présentée la même année.
Kim Hongrok et Raul Bussot Jr. mangeant un repas McDonald’s sur le radeau le dernier jour de la performance, le 30 mars 2013
Deuxième exposition personnelle
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : McDonald’s
« Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : McDonald’s », poussière de diamant sur emballage de hamburger, 2013, Kim Hongrok
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : McDonald’s est la deuxième exposition personnelle de Kim Hongrok, organisée en 2013. L’artiste a appliqué de la poussière de diamant sur des emballages de hamburgers McDonald’s collectés dans plusieurs villes.
Pour la famille Bussot, McDonald’s est resté dans les mémoires comme le premier aliment découvert après son arrivée aux États-Unis ; dans l’œuvre, il apparaît comme l’expérience concrète d’une première rencontre avec le libéralisme et la société capitaliste. Pour d’autres visiteurs, il peut s’agir d’un repas ordinaire ou d’une marque internationale familière. L’œuvre montre qu’un même objet peut revêtir des significations et des valeurs différentes selon l’expérience personnelle, le lieu et l’époque.
Kim Hongrok a appliqué de la poussière de diamant, un matériau doté d’un prix et d’une valeur d’échange élevés sur les marchés capitalistes, sur des emballages produits en série et jetés après usage. La poussière de diamant employée dans l’œuvre n’est pas une poudre : il s’agit de très petits diamants naturels dont les multiples facettes réfléchissent la lumière.
Un produit de consommation jeté après usage et une pierre précieuse se rencontrent sur une même surface. Une trace de consommation quotidienne, qui a marqué pour une famille le début de son expérience du capitalisme, se trouve reliée à un objet où la valeur marchande est fortement concentrée. Sans nommer directement le capitalisme par des mots ou des slogans, la relation entre les deux matériaux condense et révèle la diversité des valeurs qui s’y forment.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Chicago, America / poussière de diamant sur emballage de hamburger, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ho Chi Minh, Vietnam / poussière de diamant sur emballage de hamburger, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Buenos Aires, Argentina / poussière de diamant sur emballage de hamburger, 2013, Kim Hongrok
D’après les documents de l’exposition de l’époque, Kim Hongrok a recueilli des emballages McDonald’s provenant de vingt pays avec l’aide de nombreuses personnes. Chaque œuvre porte le nom de la ville et du pays où son emballage a été collecté. La série rassemble les traces d’une même marque mondiale produite, distribuée et consommée dans différentes régions.
Selon les archives de l’artiste, il a sollicité l’aide d’ambassades de Corée dans plusieurs pays et d’autres organismes afin de collecter les emballages. Choi Siwon a informé ses admirateurs à l’étranger de cette collecte, tandis que des personnes résidant hors de Corée ont elles aussi participé au rassemblement des matériaux.
L’artiste a noté que, pendant la collecte, certaines régions lui avaient répondu qu’elles ne possédaient pas de restaurants McDonald’s. La série intègre ainsi le fait que la présence de la marque variait selon les régions à cette époque.
Dans cette série, McDonald’s est à la fois le premier aliment découvert par la famille Bussot aux États-Unis et un objet qui lui a fait expérimenter concrètement le capitalisme à travers la consommation quotidienne ainsi que la production et la distribution mondiales. En réunissant un produit de consommation ordinaire, jeté après usage, et une pierre précieuse dotée d’un prix et d’une valeur d’échange réellement élevés, l’œuvre montre comment différentes formes de valeur se forment et s’échangent au sein du capitalisme.
Un emballage destiné à être jeté acquiert une nouvelle valeur lorsqu’il rencontre la poussière de diamant et devient une œuvre d’art. Ce processus rejoint le fonctionnement du capitalisme, où la production, la distribution, l’échange et la création font naître et développer la valeur. À partir du capitalisme que la famille Bussot a découvert après son arrivée aux États-Unis, l’œuvre revient sur les possibilités de choix individuel, les occasions offertes et la création de valeur.
Une partie de la série a également été présentée au LA Art Show, organisé en 2014 au Los Angeles Convention Center.
Troisième exposition personnelle
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Esclave sexuelle militaire
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Esclave sexuelle militaire / Vidéo et installation, 2015 / Kim Hongrok
Un indice vers le rétablissement de l’authenticité : Esclave sexuelle militaire est la troisième exposition personnelle de Kim Hongrok. Elle s’est tenue du 23 juillet au 23 août 2015.
À la place de l’expression courante « femmes de réconfort de l’armée japonaise », l’artiste a employé les mots « militaire », « sexe » et « esclave » dans le titre de l’exposition. Il cherchait ainsi à révéler plus directement la nature de la guerre et de la violence sexuelle institutionnelle dont traite l’exposition.
L’exposition a enregistré, par la vidéo, la photographie et l’installation, cinq survivantes de l’esclavage sexuel de l’armée japonaise, qui étaient en vie lors de la réalisation de l’œuvre en 2015 : Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim et Il-chool Kang.
Les trois expositions personnelles ont formé une réflexion continue sur les effets de différents systèmes politiques et de l’histoire sur la vie des individus. À travers le choix et le déplacement d’une famille, la première traitait de la valeur et de l’importance du libéralisme. À travers la réunion d’objets dissemblables, la deuxième examinait les valeurs formées au sein du capitalisme et leur signification. La troisième a consigné les conséquences laissées par l’impérialisme dans des vies individuelles à travers les visages et les regards de cinq femmes.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Park
Photographie, 2015 / Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Lee
Photographie, 2015 / Kim Hongrok
L’installation projetait les vidéos des cinq femmes sur un écran de coton blanc de 3 × 2 m.
Dans les vidéos, les cinq femmes ne rejouent pas les violences qu’elles ont subies et ne récitent aucun texte. Elles réduisent également au minimum les gestes destinés à mettre en scène une émotion particulière ; assises sur une chaise, elles regardent la caméra. Le public se retrouve à hauteur du regard des figures projetées, dont la taille est proche de celle des personnes réelles.
D’après les notes de travail de l’artiste, certaines des cinq femmes lui ont demandé, au moment du tournage, s’il réalisait un reportage journalistique ou un portrait funéraire. Après avoir appris qu’il s’agissait du tournage d’une œuvre d’art, certaines se sont coiffées ou ont changé de vêtements avant de s’asseoir face à la caméra.
Cette structure participe d’une méthode de travail qui ne réduit pas les cinq femmes à une émotion unique ni à une apparence supposée être celle d’une « victime », mais cherche à les consigner en tant qu’individus portant les noms d’Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim et Il-chool Kang.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Il-chool Kang
Photographie, 2015 / Kim Hongrok
Une personne du public rencontre le regard de la défunte Kun-ja Kim dans la vidéo
La même chaise sur laquelle chacune des cinq femmes s’était assise pendant le tournage a été placée dans la galerie. La chaise visible dans la vidéo et la chaise réelle étant disposées face à face, le temps du tournage se trouvait relié au présent de l’exposition.
Les visiteurs pouvaient s’asseoir sur la chaise, se placer à hauteur du regard de la personne dans la vidéo et croiser ses yeux. La chaise devenait un intermédiaire reliant les cinq femmes ayant participé au tournage aux visiteurs venus plus tard, et leur permettait de se faire face.
Kun-ja Kim est née en 1926 à Pyeongchang, dans la province de Gangwon. En 1942, elle a été emmenée de force dans une station de « réconfort » de l’armée japonaise à Hunchun, dans la province chinoise du Jilin, où elle a subi des violences pendant environ trois ans jusqu’à la Libération, avant de rentrer en Corée.
En 2007, elle a témoigné des violences subies lors d’une audition organisée dans le cadre de la commission des Affaires étrangères de la Chambre des représentants des États-Unis. En 2000 puis en 2006, elle a versé 50 millions de wons à chaque occasion, soit 100 millions de wons au total, à la fondation The Beautiful Foundation, jetant les bases du « Fonds Grand-mère Kim Kun-ja ». Enrichi par les dons du public, ce fonds avait contribué, jusqu’à juillet 2017, aux frais de scolarité d’environ 250 étudiants ayant quitté un établissement de protection de l’enfance.
Pour ses témoignages et ses dons, Kun-ja Kim a reçu en 2014 la médaille Dongbaek de l’Ordre du Mérite civil de la République de Corée. L’œuvre réalisée en 2015 la montre également portant cette décoration.
Kun-ja Kim est décédée le 23 juillet 2017.
Après la réalisation de l’œuvre, Soon-ok Kim est décédée le 5 décembre 2018, Ok-seon Park le 7 septembre 2024 et Il-chool Kang le 28 mars 2026.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Kun-ja Kim
Photographie, 2015 / Kim Hongrok
Cette œuvre ne réduit pas l’histoire des victimes de l’esclavage sexuel de l’armée japonaise à une explication ou une émotion unique. En présentant leurs noms, leurs visages et leurs regards au public d’aujourd’hui, elle l’invite à considérer les conséquences de l’impérialisme et de la guerre dans la vie des individus.
Les vidéos et la chaise utilisée pendant le tournage permettent aux visiteurs d’aujourd’hui qui ne peuvent rencontrer les cinq femmes en personne de regarder leurs images à la même hauteur.
Authenticité, indice, rétablissement
Dans le titre de l’œuvre, l’« authenticité » désigne la raison à l’origine du travail et son essence, au-delà des images visibles à sa surface et des jugements habituels portés sur les sujets et les événements qu’il aborde. Plutôt que de figer l’interprétation dans une conclusion unique, l’œuvre laisse la possibilité de se rapprocher de cette source à travers des regards et des situations différents.
Kim Hongrok présente des personnes, des objets et des événements concrets pour que le public puisse réfléchir par lui-même, plutôt que de lui imposer une interprétation. Cela ne rend pas le point de vue ou les valeurs de l’œuvre indéterminés. L’artiste choisit ce qu’il considère important et construit des situations permettant aux visiteurs d’en examiner le sens.
L’« indice » du titre de l’œuvre n’est pas une conclusion, mais un point de départ pour la réflexion. Un geste quotidien, le visage d’une personne, le souvenir d’une famille ou un emballage jeté après usage peuvent jouer ce rôle.
Le « rétablissement » désigne moins un retour complet à un état passé qu’un processus consistant à reconsidérer des événements, des objets et des personnes devenus familiers, afin de tenter de se rapprocher de leur essence.
La série Un indice vers le rétablissement de l’authenticité a commencé par le geste quotidien de se brosser les dents. Elle s’est poursuivie avec le regard social porté sur une personne, les choix et les déplacements d’une famille, la valeur du libéralisme, les valeurs formées dans le capitalisme et les visages de victimes de guerre.
À travers ses différentes œuvres, Kim Hongrok invite le public à reconsidérer ce qu’il pensait déjà connaître et à réfléchir au sens de la liberté et du choix, de la valeur et de la dignité humaine dans la vie des individus.