Artysta Kim Hongrok
Ukończył kierunek malarstwo na Wydziale Sztuk Pięknych Uniwersytetu Hongik
Urodzony w 1985 roku
Kim Hongrok jest koreańskim artystą współczesnym, który zaczynał od malarstwa na płótnie, a następnie rozszerzył zakres swojej wypowiedzi o performance, fotografię, film i instalację.
Kim Hongrok urodził się w 1985 roku. Po ukończeniu Whimoon High School w 2005 roku rozpoczął studia malarskie na Wydziale Sztuk Pięknych Uniwersytetu Hongik.
Podczas studiów Kim Hongrok założył prywatną pracownię i kontynuował pracę zarówno na uczelni, jak i poza nią. Kontakty z fotografami, filmowcami, modelami, aktorami i osobami działającymi w innych dziedzinach pozwoliły mu poznać różnorodne metody pracy i punkty widzenia. Fakt, że to samo zdarzenie może być odmiennie interpretowane zależnie od pozycji i doświadczenia obserwatora, w naturalny sposób stał się jednym z obszarów zainteresowania artysty.
Między faktem a percepcją
W 2008 roku Kim Hongrok zaczął rozwijać prace pod wspólnym tytułem Wskazówka do odzyskania autentyczności. Zamiast wysuwać na pierwszy plan emocje lub wnioski artysty, przedstawiał sytuacje, w których znajdowali się ludzie, zdarzenia i działania, pozostawiając widzom przestrzeń do rozpoczęcia własnej refleksji.
„Obiektywny wyraz” nie oznacza tu zaniku perspektywy artysty ani orientacji aksjologicznej dzieła. W wybór przedmiotu pracy i budowanie sytuacji nieuchronnie wpisany jest osąd artysty. Obiektywizm, do którego dążył Kim Hongrok, był raczej postawą polegającą na ograniczeniu emocjonalnej inscenizacji i bezpośrednich objaśnień, tak aby przed widzem najpierw pojawiły się sam przedmiot i sytuacja.
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Mycie zębów
Zapoczątkowana w 2008 roku Wskazówka do odzyskania autentyczności: Mycie zębów to cykl performance’ów i prac fotograficznych, w którym codzienna czynność powtarzana przez wiele osób zostaje umieszczona pośród różnych ludzi i w różnych miejscach.
Mycie zębów jest zazwyczaj czynnością higieniczną wykonywaną w prywatnej przestrzeni. Artysta przeniósł ją przed dzieło sztuki, do pracowni podczas zajęć z rysunku aktu oraz do kina. Znaczenie pracy nie ogranicza się jednak do pokazania znanej czynności w nieznanych miejscach. Mycie zębów staje się działaniem, które w obrębie jednej sceny skłania do ponownego przyjrzenia się relacjom między artystą a dziełem, studentem a podmiotem twórczym oraz sztuką a przemysłem.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Jongsik Choi
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Jongsik Choi / Odbitka Lambda, 2008, Kim Hongrok
Scena przedstawia dwie osoby myjące zęby przed dziełem Jongsika Choia. Zamiast pokazywać osoby oglądające dzieło, praca umieszcza w jednym kadrze dzieło sztuki i codzienną czynność fizyczną wykonywaną przez Jongsika Choia przed własną pracą. Skłania tym samym do ponownego rozważenia relacji powstającej między twórcą a stworzonym przez niego dziełem.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Nude Drawing Class
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Zajęcia z rysunku aktu / Odbitka Lambda, 2008, Kim Hongrok
Performance odbył się podczas zajęć z rysunku aktu. W ramach zajęć poświęconych obserwacji i rysowaniu ludzkiego ciała artysta samodzielnie wybrał czynność mycia zębów i przekształcił ją w pracę artystyczną.
Pozycje studenta uczestniczącego w zajęciach i artysty tworzącego dzieło nakładają się w jednej scenie. Ujawnia się w ten sposób tożsamość samodzielnego podmiotu twórczego, który kierując się własnym osądem, rozpoczyna i realizuje pracę jeszcze zanim zostanie zdefiniowany przez status studenta. Student nie zostaje ograniczony do roli osoby przygotowującej się dopiero do bycia artystą, lecz jest ukazany jako artysta zdolny samodzielnie tworzyć i wykonywać pracę także w toku edukacji.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Megabox
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Megabox / Odbitka Lambda, 2008, Kim Hongrok
Scena przedstawia kilka stojących obok siebie osób, które wspólnie myją zęby w kinie COEX Megabox. Do udziału zaproszono nie tylko osoby zebrane na potrzeby realizacji, lecz także przypadkowych przechodniów z okolicy; niektórzy z nich przyłączyli się na miejscu i wzięli udział w powstawaniu pracy, myjąc zęby razem z pozostałymi.
Kino jest miejscem, w którym sztuka filmowa spotyka się z publicznością za pośrednictwem przemysłowego systemu produkcji, dystrybucji i projekcji. Podobnie sztuki wizualne spotykają się ze społeczeństwem w strukturach tworzenia i wystawiania, obiegu i wymiany.
Praca ujmuje w jednym kadrze wspólną cechę filmu i sztuk wizualnych: obie są formami wypowiedzi artystycznej istniejącymi w warunkach komercyjnych. Skłania do ponownego przyjrzenia się odmiennym sposobom postrzegania i postawom, które pozwalają bez zastrzeżeń akceptować przemysłowy charakter filmu, a zarazem traktować sztuki wizualne wyłącznie jako czystą sferę oddzieloną od rynku.
W tych trzech pracach mycie zębów nie sprowadza się do przeniesienia codziennej czynności w nieznane otoczenie. Funkcjonuje jako działanie skłaniające do ponownego rozpatrzenia relacji i rozróżnień między artystą a jego własnym dziełem, studentem a podmiotem twórczym oraz sztuką a przemysłem.
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Seok-cheon Hong
A Clue to the Recovery of Authenticity: Seok-cheon Hong
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Seok-cheon Hong / Odbitka Lambda, 2011, 120 × 120 cm, Kim Hongrok
Po tym, jak Seok-cheon Hong publicznie ujawnił swoją orientację seksualną w 2000 roku, kolejno usuwano go z programów telewizyjnych, w których występował. Po upływie dłuższego czasu nastawienie społeczne stopniowo się zmieniło, a Hong wrócił do telewizji i ponownie rozpoczął intensywną działalność. Kim Hongrok zrealizował tę pracę wspólnie z nim w 2011 roku, gdy przemiany te nadal trwały.
Zamiast oceniać, jak dana osoba zmieniła się z upływem czasu, praca zachęca do zastanowienia się, jak zmieniało się spojrzenie społeczeństwa i mediów na tę samą osobę. Nie definiuje jej tożsamości za pomocą jednego objaśnienia, lecz czyni przedmiotem pracy zmianę otaczających ją sposobów postrzegania.
Media rozwinięte z malarstwa
Olej na płótnie, 120 × 120 cm, 2010, Kim Hongrok
Kim Hongrok kontynuował malowanie także wtedy, gdy rozszerzał zakres swojej wypowiedzi o fotografię, performance i instalację. Nie porzucił malarstwa, aby przejść do innych mediów, lecz dobierał medium stosownie do przedmiotu i metody każdej pracy.
Tempera jajowa na desce, 2004, z portfolio złożonego przy rekrutacji na Uniwersytet Hongik, Kim Hongrok
Olej na płótnie, 2007, Autoportret, Kim Hongrok
Praca wykonana temperą jajową w 2004 roku, autoportret z 2007 roku i obraz olejny z 2010 roku pokazują, że praktyka Kim Hongroka wywodzi się z malarstwa. Późniejsze fotografie, performance’y, filmy i instalacje można postrzegać nie jako zerwanie z malarstwem, lecz jako proces poszerzania środków wyrazu.
Pierwsza wystawa indywidualna
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Bussot, Raul
A Clue to the Recovery of Authenticity: Bussot, Raul / Installation, performance, film, photography and text / Five-day, 24-hour performance, 2013, Kim Hongrok
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Bussot, Raul była pierwszą indywidualną wystawą Kim Hongroka i dotyczyła doświadczenia rodziny Bussot, która w 1993 roku wyruszyła tratwą z Kuby w kierunku Stanów Zjednoczonych. Wystawę zorganizowano w terminie odpowiadającym datom podróży i uratowania rodziny, od 25 do 31 marca 1993 roku — dokładnie 20 lat później, od 25 do 31 marca 2013 roku.
Raul Bussot Jr. miał w 1993 roku pięć lat. Według wspomnień rodziny ojciec Raula i dwóch towarzyszy przygotowali tratwę w lesie namorzynowym, unikając nadzoru Kubańskiej Straży Przybrzeżnej, a następnie wypłynęli nocą w morze.
Raul Bussot Jr. zapamiętał, jak na zimnym morzu członkowie rodziny opierali się o siebie, dzieląc się ciepłem, oraz jak oczekiwał, że w Stanach Zjednoczonych będzie mógł oglądać telewizyjne kreskówki bez przerw w dostawie prądu. Podczas podróży sztorm zepchnął rodzinę z kursu. Dryfowała przez pięć dni, aż została uratowana z pomocą Straży Przybrzeżnej Stanów Zjednoczonych.
Kim Hongrok spotkał się z Raulem Bussotem Jr. i przeprowadził z nim wywiad o doświadczeniu jego rodziny. W 2013 roku, 20 lat później, na podstawie pierwotnej tratwy zbudował aluminiową tratwę o tym samym kształcie i wymiarach, a następnie umieścił ją w przestrzeni wystawowej.
Artysta i dorosły już Raul Bussot Jr. przez pięć dni jedli, spali i mieszkali na tratwie. Nawiązując do zapasów przygotowanych wówczas przez rodzinę, wykorzystali w performance’ie konserwy Spam, czekoladę i wodę. Przez cały czas trwania performance’u przestrzeń wystawowa była otwarta 24 godziny na dobę.
W tej pracy widzowie nie pozostawali na zewnątrz, ograniczając się do obserwowania ukończonego rezultatu. Podchodzili do miejsca, w którym mieszkali artysta i Raul Bussot Jr., słuchali ich opowieści i rozmawiali z nimi; spotkania te również stawały się częścią performance’u.
Film zarejestrowany przez Straż Przybrzeżną Stanów Zjednoczonych / Floryda, USA / 6 minut 50 sekund / 1993
W przestrzeni wystawowej zaprezentowano także film dokumentujący podróż i akcję ratunkową z 1993 roku. Umieszczenie w jednym miejscu historycznego zapisu i performance’u zrealizowanego 20 lat później pozwalało widzom przyjrzeć się relacjom między rzeczywistym doświadczeniem, pamięcią i odtworzeniem.
Wystawa zestawiła konfliktową i zerwaną relację między liberalnymi Stanami Zjednoczonymi a socjalistyczną Kubą z relacją między liberalną Koreą Południową a socjalistyczną Koreą Północną. Nałożyła w ten sposób w obrębie dzieła wspólną strukturę relacji ustrojowych, w których liberalizm i socjalizm pozostają w konflikcie.
Dokładnie 20 lat później, w 2013 roku, artysta przywołał w przestrzeni wystawowej w Korei Południowej wydarzenie z 1993 roku, kiedy rodzina Bussot opuściła socjalistyczną Kubę i skierowała się ku liberalnym Stanom Zjednoczonym. Relacja między Stanami Zjednoczonymi a Kubą, odczytana ponownie poprzez relację między Koreą Południową a Północną, sprawiła, że wartości i symbole dwóch odmiennych czasów i miejsc przecięły się ze sobą.
Podróż rodziny Bussot zostaje ukazana nie tylko jako doświadczenie migracyjne z jednego regionu, lecz także jako wydarzenie, w którym rodzina wybrała kierunek własnego życia pomiędzy różnymi systemami politycznymi. Ich doświadczenie stawia przed współczesnymi widzami wartość i znaczenie liberalizmu, który zapewnia jednostce możliwość wyboru i swobodę przemieszczania się.
Odbitka Lambda, 2011, 40 × 50 cm, Kim Hongrok
Widzowie mogli w jednej przestrzeni oglądać dokumentację podróży rodziny Bussot, tratwę oraz film z tamtego okresu.
Performance nie zakładał, że doświadczenie sprzed 20 lat można dokładnie powtórzyć. Poprzez ograniczenia przestrzeni, czasu i pożywienia praca starała się zbliżyć do pamięci jednej rodziny i podzielić się ze współczesnymi widzami znaczeniem jej wyboru wolności.
Według wspomnień rodziny Bussot pierwszym posiłkiem po przybyciu do Stanów Zjednoczonych był hamburger z McDonald’s. Wspomnienie to doprowadziło do kolejnej wystawy indywidualnej, Wskazówka do odzyskania autentyczności: McDonald’s.
Kim Hongrok i Raul Bussot Jr. jedzą hamburgery z McDonald’s w dniu zakończenia pięciodniowego performance’u
Oh Se-hoon, będący wówczas byłym burmistrzem Seulu, wraz z rodziną podczas wizyty na wystawie
Choi Siwon podczas wizyty na wystawie
Druga wystawa indywidualna
Wskazówka do odzyskania autentyczności: McDonald’s
A Clue to the Recovery of Authenticity: McDonald’s / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
Wskazówka do odzyskania autentyczności: McDonald’s była drugą indywidualną wystawą Kim Hongroka, zorganizowaną w 2013 roku. Artysta naniósł pył diamentowy na opakowania hamburgerów McDonald’s zebrane w wielu miastach.
Dla rodziny Bussot McDonald’s zapisał się w pamięci jako pierwszy posiłek po przybyciu do Stanów Zjednoczonych, a w obrębie pracy stanowi konkretne doświadczenie pierwszego zetknięcia z liberalizmem i społeczeństwem kapitalistycznym. Dla innego widza może być codziennym posiłkiem lub znaną międzynarodową marką. Praca pokazuje, że ten sam przedmiot może mieć odmienne znaczenia i wartości zależnie od osobistego doświadczenia, miejsca i czasu.
Artysta naniósł pył diamentowy, który na rynkach kapitalistycznych ma rzeczywiście wysoką cenę i wartość wymienną, na masowo produkowane opakowania wyrzucane po użyciu jako odpady. Dla rodziny Bussot opakowanie jest śladem chwili, w której po raz pierwszy zetknęła się z kapitalizmem, natomiast diament jest kamieniem szlachetnym, w którym koncentruje się wartość i który w ramach tego systemu osiąga wysoką cenę.
Kiedy odpad i kamień szlachetny spotykają się na jednej płaszczyźnie, najbardziej zwyczajny ślad konsumpcji — stanowiący dla jednej rodziny punkt wejścia w kapitalizm — łączy się z jednym z krańców tego systemu, gdzie wartość jest silnie skoncentrowana. Relacja między tymi dwoma materiałami, bez bezpośredniego wskazywania kapitalizmu za pomocą słów lub haseł, kondensuje i ujawnia jego szerokie spektrum wartości.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Chicago, America / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ho Chi Minh, Vietnam / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Buenos Aires, Argentina / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
Według ówczesnych materiałów wystawowych artysta z pomocą wielu osób zebrał opakowania McDonald’s z 20 krajów. Każda praca otrzymała nazwę miasta i kraju, w którym zebrano dane opakowanie. Cykl zgromadził w ten sposób procesy, poprzez które jedna międzynarodowa marka była produkowana, dystrybuowana i konsumowana w różnych regionach.
Według zapisków artysty, aby zebrać opakowania, zwrócił się o współpracę między innymi do ambasad Korei w wielu krajach. Choi Siwon poinformował swoich zagranicznych fanów o zbiórce, a osoby przebywające za granicą również włączyły się w pozyskiwanie materiałów.
Artysta odnotował, że podczas zbiórki otrzymał z niektórych regionów odpowiedzi, iż nie ma tam restauracji McDonald’s. Cykl pokazuje tym samym, że warunki dostępu do tych samych towarów i usług różniły się zależnie od kraju i systemu politycznego.
W tym cyklu McDonald’s jest zarówno pierwszym posiłkiem, z którym rodzina Bussot zetknęła się w Stanach Zjednoczonych, jak i przedmiotem, poprzez który kapitalizm został konkretnie doświadczony w codziennej konsumpcji oraz globalnej produkcji i dystrybucji. Zestawiając codzienny artykuł konsumpcyjny wyrzucany po użyciu z kamieniem szlachetnym o rzeczywiście wysokiej cenie i wartości wymiennej, praca pokazuje, jak w kapitalizmie powstają i podlegają wymianie różne wartości.
Proces, w którym przeznaczone do wyrzucenia opakowanie spotyka się z pyłem diamentowym, przekształca się w dzieło sztuki i zyskuje nową wartość, wiąże się również ze sposobem funkcjonowania kapitalizmu, tworzącego i pomnażającego wartość poprzez produkcję i dystrybucję, wymianę i kreację. Praca skłania do refleksji nad wyborami i możliwościami, potencjałem tworzenia wartości oraz znaczeniem tych szans, które kapitalizm — jawiący się rodzinie Bussot jako perspektywa nowego życia — otworzył przed jednostką.
Niektóre prace z cyklu pokazano także na LA Art Show, zorganizowanym w 2014 roku w Los Angeles Convention Center.
Trzecia wystawa indywidualna
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Wojskowa niewolnica seksualna
A Clue to the Recovery of Authenticity: Military Sex Slave / Film and installation, 2015, Kim Hongrok
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Wojskowa niewolnica seksualna była trzecią indywidualną wystawą Kim Hongroka i trwała od 23 lipca do 23 sierpnia 2015 roku.
Zamiast powszechnie używanego określenia „kobiety do towarzystwa japońskiej armii” artysta posłużył się w tytule wystawy słowami „wojsko”, „seks” i „niewolnica”. Chciał w ten sposób bardziej bezpośrednio ukazać charakter wojny i instytucjonalnej przemocy seksualnej, których dotyczyła wystawa.
Za pomocą filmu i instalacji wystawa dokumentowała pięć ofiar systemu tzw. „kobiet do towarzystwa” japońskiej armii, które żyły w czasie realizacji pracy w 2015 roku: Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim i Il-chool Kang.
Trzy wystawy indywidualne tworzyły ciągłą refleksję nad wpływem odmiennych systemów politycznych i historii na życie jednostki. Pierwsza, poprzez wybór i przemieszczenie jednej rodziny, podejmowała wartość i znaczenie liberalizmu; druga, poprzez zestawienie różnych przedmiotów, analizowała wartości powstające w kapitalizmie i ich sens. Trzecia, za pośrednictwem twarzy i spojrzeń pięciu kobiet, konfrontowała widza z konsekwencjami, jakie imperializm pozostawił w życiu jednostek.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Park
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Ok-seon Park / Projekcja na bawełnie, 2015, Kim Hongrok / 00:00:44
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Lee
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Ok-seon Lee / Projekcja na bawełnie, 2015, Kim Hongrok / 00:02:19
Praca składała się z projekcji filmów przedstawiających pięć kobiet na instalacji z białej tkaniny o wysokości i szerokości po 2 m.
W filmach pięć kobiet nie odtwarza doznanych krzywd ani nie wypowiada przygotowanych kwestii. Ograniczają do minimum także gesty, które inscenizowałyby określone emocje; każda siedzi na tym samym krześle i patrzy w stronę kamery. Widz spotyka na wysokości wzroku postacie wyświetlane w rozmiarze zbliżonym do rzeczywistego.
Według notatek artysty niektóre z pięciu kobiet pytały podczas realizacji, czy zdjęcia są przeznaczone do materiału prasowego, czy do portretu pośmiertnego. Po wyjaśnieniu, że film powstaje na potrzeby dzieła sztuki, niektóre z nich poprawiły włosy lub przebrały się przed zajęciem miejsca przed kamerą.
Taka konstrukcja wiązała się z metodą pracy, która miała dokumentować pięć kobiet nie jako postacie sprowadzone do jednej emocji lub do wyobrażenia o tym, jak powinna wyglądać „ofiara”, lecz jako osoby noszące imiona Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim i Il-chool Kang.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Il-chool Kang
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Il-chool Kang / Projekcja na bawełnie, 2015, Kim Hongrok / 00:03:45
Widz stojący przed wizerunkiem zmarłej Kun-ja Kim w dziele
W przestrzeni wystawowej umieszczono to samo krzesło, na którym podczas realizacji filmu siedziała każda z pięciu kobiet. Krzesło zarejestrowane w obrazie filmowym i rzeczywiste krzesło ustawiono naprzeciw siebie, łącząc czas realizacji z teraźniejszością wystawy.
Widzowie mogli usiąść na krześle, znaleźć się na wysokości wzroku postaci z filmu i odwzajemnić jej spojrzenie. Krzesło stało się medium łączącym pięć kobiet uczestniczących w realizacji z późniejszymi widzami i pozwalającym im stanąć ze sobą twarzą w twarz.
Kun-ja Kim urodziła się w 1926 roku w Pyeongchang w prowincji Gangwon. W 1942 roku została siłą wywieziona do wojskowej stacji „pocieszenia” japońskiej armii w Hunchun w chińskiej prowincji Jilin, gdzie przez około 3 lata, aż do wyzwolenia, doznawała krzywd; następnie wróciła do Korei.
W 2007 roku złożyła świadectwo o doznanych krzywdach podczas wysłuchania przed podkomisją Komisji Spraw Zagranicznych Izby Reprezentantów Stanów Zjednoczonych. W 2000 i 2006 roku przekazała organizacji The Beautiful Foundation po 50 milionów wonów, łącznie 100 milionów wonów, dając początek „Funduszowi Babci Kim Kun-ja”. Dzięki dodatkowym wpłatom obywateli do lipca 2017 roku fundusz pokrył czesne około 250 studentów, którzy opuścili placówki opieki nad dziećmi.
Za swoje świadectwo i działalność dobroczynną Kun-ja Kim otrzymała w 2014 roku Medal Dongbaek Orderu Zasługi Cywilnej. Praca zrealizowana w 2015 roku dokumentuje ją również z przypiętym medalem.
Kun-ja Kim zmarła 23 lipca 2017 roku.
Po zrealizowaniu pracy Soon-ok Kim zmarła 5 grudnia 2018 roku, Ok-seon Park 7 września 2024 roku, a Il-chool Kang 28 marca 2026 roku. Wszystkie pięć kobiet udokumentowanych w pracy z 2015 roku już nie żyje.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Kun-ja Kim
Wskazówka do odzyskania autentyczności: Kun-ja Kim / Projekcja na bawełnie, 2015, Kim Hongrok / 00:04:21
Praca nie sprowadza historii ofiar systemu tzw. „kobiet do towarzystwa” japońskiej armii do jednego wyjaśnienia ani jednej emocji. Umieszcza przed współczesnym widzem imiona, twarze i spojrzenia pięciu kobiet, skłaniając do przyjrzenia się konsekwencjom, jakie imperializm i wojna pozostawiły w życiu jednostek.
Zapis zachowany w filmach i krześle użytym podczas realizacji pozwala późniejszym widzom, którzy nie mogą już spotkać tych pięciu kobiet osobiście, zetknąć się z ich wizerunkami i wymienić z nimi spojrzenia na tej samej wysokości.
Autentyczność, wskazówka, odzyskanie
Praktyka Kim Hongroka skupia się na dostarczaniu widzom przedmiotów i sytuacji, od których może rozpocząć się refleksja, zamiast przedstawiać jedną interpretację jako prawidłową odpowiedź. Nie oznacza to jednak, że perspektywa lub wartości dzieła są niejasne. Poprzez konkretne osoby, przedmioty i zdarzenia artysta ujawnia wartości, które uważa za istotne, i pozwala widzom bezpośrednio zmierzyć się z ich znaczeniem.
„Wskazówka” w tytule pracy nie jest wnioskiem, lecz punktem, od którego może rozpocząć się myślenie. Codzienna czynność, twarz jednej osoby, wspomnienie rodziny lub wyrzucone po użyciu opakowanie mogą pełnić tę funkcję.
„Odzyskanie” oznacza nie tyle pełny powrót do stanu z przeszłości, ile proces ponownego przyglądania się zdarzeniom, przedmiotom i ludziom, których przywykliśmy uznawać za znanych, oraz próbę zbliżenia się do ich istoty.
Cykl Wskazówka do odzyskania autentyczności rozpoczął się od codziennej czynności mycia zębów, a następnie objął społeczne spojrzenie na jednostkę, liberalizm ujawniony poprzez wybór i przemieszczenie jednej rodziny, kapitalizm i wartości, które w nim powstają, aż po twarze ofiar wojny.
Poszczególne prace są przedstawione jako punkty wyjścia, z których widz może ponownie przyjrzeć się przedmiotom, które — jak sądził — już znał, oraz zastanowić się nad znaczeniem wolności i wyboru, wartości i ludzkiej godności w życiu jednostki.