Artista Kim Hongrok
Laureato in Pittura presso la Facoltà di Belle Arti dell’Università Hongik
Nato nel 1985
Kim Hongrok è un artista contemporaneo coreano che, partendo dalla pittura su tela, ha ampliato il proprio campo espressivo alla performance, alla fotografia, al film e all’installazione.
Nato nel 1985, Kim Hongrok si è diplomato alla Whimoon High School e nel 2005 è entrato nel corso di Pittura della Facoltà di Belle Arti dell’Università Hongik, dove ha studiato pittura.
Durante gli anni universitari, Kim Hongrok aprì uno studio privato e continuò a lavorare sia all’interno sia all’esterno dell’università. Frequentando fotografi, cineasti, modelli, attori e persone attive in ambiti diversi, conobbe molteplici metodi di lavoro e punti di vista. Il fatto che uno stesso evento possa essere interpretato diversamente a seconda della posizione e dell’esperienza di chi lo osserva divenne naturalmente uno dei suoi interessi artistici.
Tra fatto e percezione
Dal 2008 Kim Hongrok iniziò a sviluppare opere sotto il titolo comune Un indizio per il recupero dell’autenticità. Invece di porre in primo piano le emozioni o le conclusioni dell’artista, presentava le situazioni in cui si trovavano persone, eventi e azioni, lasciando allo spettatore uno spazio da cui iniziare a riflettere.
In questo contesto, «espressione oggettiva» non significa che il punto di vista dell’artista o l’orientamento valoriale dell’opera scompaiano. Il giudizio dell’artista interviene necessariamente nella scelta del soggetto e nella costruzione della situazione. L’oggettività perseguita da Kim Hongrok consisteva piuttosto in un atteggiamento volto a ridurre la messa in scena emotiva e la spiegazione diretta, affinché il soggetto e la situazione si presentassero per primi davanti allo spettatore.
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Lavarsi i denti
Avviato nel 2008, Un indizio per il recupero dell’autenticità: Lavarsi i denti è un insieme di performance e opere fotografiche che colloca un gesto quotidiano, ripetuto da molte persone, tra individui e luoghi differenti.
Lavarsi i denti è normalmente un atto igienico compiuto in uno spazio privato. L’artista trasferì questo gesto davanti a un’opera d’arte, in un’aula durante una lezione di disegno dal nudo e in un cinema. Il significato del lavoro, tuttavia, non si limita a mostrare un gesto consueto in luoghi inconsueti. Lavarsi i denti diventa un’azione che invita a riesaminare, all’interno di una sola scena, i rapporti tra artista e opera, studente e soggetto creativo, arte e industria.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Jongsik Choi
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Jongsik Choi / Stampa Lambda, 2008, Kim Hongrok
La scena mostra due persone che si lavano i denti davanti a un’opera di Jongsik Choi. Più che raffigurare persone intente a osservare un’opera d’arte, il lavoro colloca nello stesso fotogramma l’opera e un’azione fisica quotidiana che Jongsik Choi compie davanti alla propria creazione. In questo modo invita a riesaminare il rapporto che si forma tra chi ha realizzato un’opera e l’opera stessa.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Nude Drawing Class
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Lezione di disegno dal nudo / Stampa Lambda, 2008, Kim Hongrok
La performance si svolse durante una lezione di disegno dal nudo. Nell’ambito di una lezione dedicata all’osservazione e al disegno del corpo umano, l’artista scelse autonomamente l’atto di lavarsi i denti e lo trasformò in un’opera.
La posizione dello studente che segue una lezione e quella dell’artista che crea un’opera si sovrappongono in un’unica scena, rivelando, prima ancora dello status di studente, l’identità di un soggetto creativo che avvia e realizza un lavoro secondo il proprio giudizio. Lo studente non è circoscritto al ruolo provvisorio di chi non è ancora artista, ma viene presentato come un artista capace di creare e attuare autonomamente un’opera anche all’interno del percorso formativo.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Megabox
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Megabox / Stampa Lambda, 2008, Kim Hongrok
La scena mostra diverse persone in piedi che si lavano i denti insieme al COEX Megabox. Oltre ai partecipanti riuniti per le riprese, furono invitati a prendere parte al lavoro anche alcuni passanti presenti nei dintorni; alcuni di loro aderirono sul momento, lavandosi i denti durante la realizzazione dell’opera.
Il cinema è un luogo in cui l’arte cinematografica incontra il pubblico attraverso il sistema industriale della produzione, della distribuzione e della proiezione. Analogamente, l’arte visiva incontra la società entro le strutture della creazione e dell’esposizione, della circolazione e dello scambio.
Quest’opera riunisce in un’unica immagine l’elemento comune al cinema e all’arte visiva: entrambi sono forme di espressione artistica che esistono in condizioni commerciali. Invita così a riesaminare le diverse percezioni e gli atteggiamenti per cui si accetta naturalmente la dimensione industriale del cinema, mentre si considera l’arte visiva soltanto come un ambito puro, separato dal mercato.
In tutte e tre le opere, lavarsi i denti non consiste semplicemente nel trasferire un gesto quotidiano in un luogo inconsueto. Diventa un’azione che induce a riconsiderare i rapporti e le distinzioni tra un artista e la propria opera, uno studente e un soggetto creativo, l’arte e l’industria.
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Seok-cheon Hong
A Clue to the Recovery of Authenticity: Seok-cheon Hong
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Seok-cheon Hong / Stampa Lambda, 2011, 120 × 120 cm, Kim Hongrok
Dopo aver dichiarato pubblicamente il proprio orientamento sessuale nel 2000, Seok-cheon Hong fu allontanato, uno dopo l’altro, dai programmi televisivi a cui partecipava. Con il passare di un periodo considerevole, la percezione sociale cambiò gradualmente e Hong tornò in televisione, riprendendo un’intensa attività. Kim Hongrok realizzò quest’opera insieme a lui nel 2011, mentre tali cambiamenti erano ancora in corso.
Più che giudicare come una persona sia cambiata nel tempo, l’opera invita a osservare come siano mutati lo sguardo della società e quello dei media sulla medesima persona. Non definisce la sua identità attraverso un’unica spiegazione, ma assume come soggetto del lavoro il cambiamento delle percezioni che lo circondano.
Media sviluppati a partire dalla pittura
Olio su tela, 120 × 120 cm, 2010, Kim Hongrok
Kim Hongrok continuò a dipingere anche mentre ampliava il proprio campo espressivo alla fotografia, alla performance e all’installazione. Non abbandonò la pittura per passare ad altri media, ma scelse di volta in volta il mezzo in base al soggetto e al metodo del lavoro.
Tempera all’uovo su tavola di legno, 2004, dal portfolio presentato per l’ammissione all’Università Hongik, Kim Hongrok
Olio su tela, 2007, Autoritratto, Kim Hongrok
L’opera a tempera all’uovo del 2004, l’autoritratto del 2007 e il dipinto a olio del 2010 mostrano che la pratica di Kim Hongrok ebbe origine nella pittura. La fotografia, la performance, il film e l’installazione sviluppati in seguito possono essere intesi non come una rottura con la pittura, ma come un processo di ampliamento dei mezzi espressivi.
Prima mostra personale
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Bussot, Raul
A Clue to the Recovery of Authenticity: Bussot, Raul / Installation, performance, film, photography and text / Five-day, 24-hour performance, 2013, Kim Hongrok
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Bussot, Raul fu la prima mostra personale di Kim Hongrok e affrontò l’esperienza della famiglia Bussot, che nel 1993 partì da Cuba verso gli Stati Uniti su una zattera. In corrispondenza con le date del viaggio e del salvataggio della famiglia, dal 25 al 31 marzo 1993, la mostra si tenne esattamente 20 anni dopo, dal 25 al 31 marzo 2013.
Raul Bussot Jr. aveva cinque anni nel 1993. Secondo i ricordi della famiglia, il padre di Raul e due compagni prepararono una zattera in una foresta di mangrovie, eludendo la sorveglianza della Guardia Costiera cubana, e presero il mare di notte.
Raul Bussot Jr. ricordava che, nel mare freddo, i familiari si appoggiavano l’uno all’altro per condividere il calore e che lui sperava di poter guardare i cartoni animati in televisione negli Stati Uniti senza interruzioni di corrente. Spinta fuori rotta da una tempesta durante il viaggio, la famiglia rimase alla deriva per cinque giorni, finché fu soccorsa con l’aiuto della Guardia Costiera degli Stati Uniti.
Kim Hongrok incontrò Raul Bussot Jr. e lo intervistò sull’esperienza della sua famiglia. Nel 2013, 20 anni dopo, realizzò sulla base della zattera originaria una zattera in alluminio della stessa forma e delle stesse dimensioni, installandola all’interno dello spazio espositivo.
L’artista e Raul Bussot Jr., ormai adulto, mangiarono, dormirono e vissero sulla zattera per cinque giorni. Facendo riferimento alle provviste preparate allora dalla famiglia, utilizzarono nella performance Spam, cioccolato e acqua. Per tutta la durata della performance, lo spazio espositivo rimase aperto 24 ore su 24.
In quest’opera, gli spettatori non rimasero all’esterno a osservare un risultato compiuto. Si avvicinarono al luogo in cui vivevano l’artista e Raul Bussot Jr., ascoltarono la loro storia e conversarono con loro; anche questi incontri divennero parte della performance.
Filmato realizzato dalla Guardia Costiera degli Stati Uniti / Florida, USA / 6 minuti 50 secondi / 1993
Nello spazio espositivo fu presentato anche un filmato che documentava il viaggio e il salvataggio del 1993. La presenza nello stesso luogo della documentazione storica e della performance realizzata 20 anni dopo consentiva agli spettatori di osservare insieme il rapporto tra esperienza vissuta, memoria e rievocazione.
La mostra mise in corrispondenza il rapporto conflittuale e interrotto tra gli Stati Uniti, sistema liberale, e Cuba, sistema socialista, con quello tra la Corea del Sud, sistema liberale, e la Corea del Nord, sistema socialista. Nell’opera si sovrapponeva così la struttura comune di due rapporti politici fondati sul confronto tra liberalismo e socialismo.
Esattamente 20 anni dopo, nel 2013, l’artista riportò in uno spazio espositivo della Corea del Sud la vicenda del 1993 in cui la famiglia Bussot lasciò la Cuba socialista per dirigersi verso gli Stati Uniti liberali. Riletto il rapporto tra Stati Uniti e Cuba attraverso quello tra Corea del Sud e Corea del Nord, i valori e i simboli di due tempi e luoghi differenti si incrociavano.
Il viaggio della famiglia Bussot viene presentato non soltanto come un’esperienza migratoria circoscritta a una regione, ma come un evento in cui una famiglia scelse la direzione della propria vita tra sistemi politici differenti. La loro esperienza porta davanti agli spettatori di oggi il valore e l’importanza che il liberalismo, garante della scelta individuale e della libertà di movimento, assume nella vita.
Stampa Lambda, 2011, 40 × 50 cm, Kim Hongrok
Gli spettatori potevano esaminare nello stesso spazio la documentazione del viaggio della famiglia Bussot, la zattera e i filmati dell’epoca.
La performance non presupponeva che fosse possibile ripetere esattamente un’esperienza avvenuta 20 anni prima. Attraverso le condizioni di uno spazio, un tempo e un’alimentazione limitati, il lavoro cercava di avvicinarsi alla memoria di una famiglia e di condividere con gli spettatori di oggi il significato della sua scelta di perseguire la libertà.
Secondo i ricordi della famiglia Bussot, il primo cibo consumato dopo l’arrivo negli Stati Uniti fu un hamburger di McDonald’s. Questo ricordo condusse alla successiva mostra personale, Un indizio per il recupero dell’autenticità: McDonald’s.
Kim Hongrok e Raul Bussot Jr. mangiano hamburger di McDonald’s il giorno in cui si conclude la performance di cinque giorni
Oh Se-hoon, allora ex sindaco di Seoul, e la sua famiglia in visita alla mostra
Choi Siwon in visita alla mostra
Seconda mostra personale
Un indizio per il recupero dell’autenticità: McDonald’s
A Clue to the Recovery of Authenticity: McDonald’s / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
Un indizio per il recupero dell’autenticità: McDonald’s fu la seconda mostra personale di Kim Hongrok, tenuta nel 2013. L’artista applicò polvere di diamante su involucri di hamburger McDonald’s raccolti in diverse città.
Per la famiglia Bussot, McDonald’s era il primo cibo incontrato dopo l’arrivo negli Stati Uniti e, all’interno dell’opera, rappresenta un’esperienza concreta del primo incontro con il liberalismo e la società capitalista. Per un altro spettatore può essere un pasto quotidiano o un marchio internazionale familiare. Il lavoro mostra come uno stesso oggetto possa assumere significati e valori differenti a seconda dell’esperienza personale, del luogo e del periodo storico.
L’artista applicò polvere di diamante, dotata nei mercati capitalisti di un prezzo e di un valore di scambio effettivamente elevati, su involucri prodotti in massa e gettati come rifiuti dopo l’uso. Per la famiglia Bussot, l’involucro è la traccia del momento in cui incontrò per la prima volta il capitalismo, mentre il diamante è una pietra preziosa in cui il valore si concentra e che, all’interno di quel sistema, viene scambiata a un prezzo elevato.
Quando il rifiuto e la pietra preziosa si incontrano su un unico piano, la traccia più ordinaria del consumo, che segnò per una famiglia il punto di partenza nel capitalismo, viene collegata a uno degli estremi del sistema, nel quale il valore è fortemente concentrato. Senza indicare direttamente il capitalismo con parole o slogan, il rapporto tra i due materiali ne condensa e rivela l’ampio spettro di valori.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Chicago, America / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ho Chi Minh, Vietnam / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
A Clue to the Recovery of Authenticity: Buenos Aires, Argentina / Diamond dust on hamburger wrapping paper, 2013, Kim Hongrok
Secondo i materiali espositivi dell’epoca, con l’aiuto di numerose persone l’artista raccolse involucri McDonald’s provenienti da 20 paesi. Ogni opera prese il nome dalla città e dal paese in cui era stato raccolto l’involucro. La serie riunì così i processi attraverso cui un unico marchio internazionale veniva prodotto, distribuito e consumato in regioni diverse.
Secondo le testimonianze dell’artista, per raccogliere gli involucri chiese la collaborazione delle ambasciate coreane in diversi paesi e di altre organizzazioni. Choi Siwon informò i propri fan internazionali dell’iniziativa e anche persone residenti all’estero parteciparono alla raccolta dei materiali.
L’artista annotò che, durante la raccolta, da alcune regioni ricevette risposte secondo cui non vi erano ristoranti McDonald’s. La serie mostra così anche che le condizioni di accesso agli stessi beni e servizi variavano a seconda del paese e del sistema politico.
In questa serie, McDonald’s è sia il primo cibo incontrato dalla famiglia Bussot negli Stati Uniti, sia un oggetto attraverso il quale il capitalismo viene sperimentato concretamente nel consumo quotidiano e nella produzione e distribuzione globale. Accostando un bene di consumo quotidiano, gettato dopo l’uso, a una pietra preziosa che possiede effettivamente un prezzo e un valore di scambio elevati, l’opera mostra come nel capitalismo si formino e si scambino valori differenti.
Il processo attraverso il quale un involucro destinato a essere gettato incontra la polvere di diamante, si trasforma in un’opera d’arte e acquisisce un nuovo valore si collega anche al funzionamento del capitalismo, che crea ed espande valore attraverso produzione e distribuzione, scambio e creazione. L’opera invita a riflettere sulle scelte e le opportunità, sulla possibilità di creare valore e sull’importanza di tali possibilità che il capitalismo, apparso alla famiglia Bussot come la prospettiva di una nuova vita, ha aperto agli individui.
Alcune opere della serie furono esposte anche a LA Art Show, tenuta nel 2014 al Los Angeles Convention Center.
Terza mostra personale
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Schiava sessuale militare
A Clue to the Recovery of Authenticity: Military Sex Slave / Film and installation, 2015, Kim Hongrok
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Schiava sessuale militare fu la terza mostra personale di Kim Hongrok e si tenne dal 23 luglio al 23 agosto 2015.
Al posto dell’espressione comunemente utilizzata «donne di conforto dell’esercito giapponese», l’artista impiegò nel titolo della mostra le parole «militare», «sesso» e «schiava». In questo modo intendeva rendere più esplicita la natura della guerra e della violenza sessuale istituzionalizzata affrontate dalla mostra.
Attraverso film e installazione, la mostra documentò cinque vittime del sistema delle «donne di conforto» dell’esercito giapponese ancora in vita quando l’opera fu realizzata nel 2015: Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim e Il-chool Kang.
Le tre mostre personali formarono un percorso continuo di osservazione degli effetti che sistemi politici e storie differenti producono sulla vita degli individui. Attraverso la scelta e lo spostamento di una famiglia, la prima affrontò il valore e l’importanza del liberalismo; mediante l’accostamento di oggetti differenti, la seconda esaminò i valori che si formano nel capitalismo e il loro significato. La terza mise lo spettatore di fronte alle conseguenze lasciate dall’imperialismo nelle vite individuali, attraverso i volti e gli sguardi delle cinque donne.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Park
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Ok-seon Park / Proiezione su cotone, 2015, Kim Hongrok / 00:00:44
A Clue to the Recovery of Authenticity: Ok-seon Lee
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Ok-seon Lee / Proiezione su cotone, 2015, Kim Hongrok / 00:02:19
L’opera era costituita dalla proiezione dei filmati delle cinque donne su un’installazione di tessuto bianco alta e larga 2 m.
Nei filmati, le cinque donne non rievocano le violenze subite né pronunciano battute predisposte. Riducono al minimo anche i gesti che potrebbero mettere in scena una particolare emozione e, sedute su una sedia, guardano verso la macchina da presa. Gli spettatori incontrano alla stessa altezza dello sguardo le figure proiettate in dimensioni prossime a quelle reali.
Secondo le note di lavoro dell’artista, al momento delle riprese alcune delle cinque donne chiesero se si trattasse di immagini per un servizio giornalistico o per un ritratto commemorativo. Dopo aver saputo che le riprese erano destinate alla realizzazione di un’opera d’arte, alcune si sistemarono i capelli o si cambiarono d’abito prima di sedersi davanti alla macchina da presa.
Questa struttura era connessa a un metodo di lavoro che intendeva documentare le cinque donne non come figure confinate in un’unica emozione o in un’immagine di come dovrebbe apparire una «vittima», ma come individui di nome Ok-seon Park, Ok-seon Lee, Soon-ok Kim, Kun-ja Kim e Il-chool Kang.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Il-chool Kang
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Il-chool Kang / Proiezione su cotone, 2015, Kim Hongrok / 00:03:45
Uno spettatore di fronte alla defunta Kun-ja Kim nell’opera
Nello spazio espositivo fu collocata la stessa sedia sulla quale ciascuna delle cinque donne si era seduta durante le riprese. La sedia registrata nel filmato e quella fisicamente presente erano poste l’una di fronte all’altra, collegando il momento delle riprese al presente della mostra.
Gli spettatori potevano sedersi sulla sedia, incontrare alla stessa altezza dello sguardo la figura nel filmato e ricambiarne lo sguardo. La sedia divenne un tramite che collegava le cinque donne partecipanti alle riprese con gli spettatori successivi e permetteva loro di trovarsi faccia a faccia.
Kun-ja Kim nacque nel 1926 a Pyeongchang, nella provincia di Gangwon. Nel 1942 fu condotta con la forza in una stazione di «conforto» dell’esercito giapponese a Hunchun, nella provincia di Jilin, in Cina, dove subì violenze per circa 3 anni fino alla liberazione; in seguito tornò in Corea.
Nel 2007 testimoniò sulle violenze subite durante un’audizione di una sottocommissione della Commissione Affari Esteri della Camera dei Rappresentanti degli Stati Uniti. Nel 2000 e nel 2006 donò 50 milioni di won in ciascuna occasione, per un totale di 100 milioni di won, alla fondazione The Beautiful Foundation, ponendo le basi del «Fondo Nonna Kim Kun-ja». Grazie alle ulteriori donazioni dei cittadini, entro luglio 2017 il fondo aveva sostenuto le tasse universitarie di circa 250 studenti usciti da strutture di tutela dei minori.
Per queste testimonianze e attività filantropiche, nel 2014 Kun-ja Kim ricevette la Medaglia Dongbaek dell’Ordine al Merito Civile. Nell’opera realizzata nel 2015 è documentata anche mentre indossa la medaglia.
Kun-ja Kim morì il 23 luglio 2017.
Dopo la realizzazione dell’opera, Soon-ok Kim morì il 5 dicembre 2018, Ok-seon Park il 7 settembre 2024 e Il-chool Kang il 28 marzo 2026. Tutte e cinque le donne documentate nell’opera del 2015 sono oggi decedute.
A Clue to the Recovery of Authenticity: Kun-ja Kim
Un indizio per il recupero dell’autenticità: Kun-ja Kim / Proiezione su cotone, 2015, Kim Hongrok / 00:04:21
Quest’opera non riduce la storia delle vittime del sistema delle «donne di conforto» dell’esercito giapponese a un’unica spiegazione o emozione. Pone davanti agli spettatori di oggi i nomi, i volti e gli sguardi delle cinque donne, invitandoli a osservare le conseguenze che l’imperialismo e la guerra hanno lasciato nelle vite individuali.
La documentazione conservata nei filmati e nella sedia utilizzata durante le riprese permette anche agli spettatori successivi, che non possono più incontrare di persona le cinque donne, di confrontarsi con le loro immagini e di incrociarne lo sguardo alla stessa altezza.
Autenticità, indizio, recupero
Il lavoro di Kim Hongrok si concentra sull’offrire agli spettatori soggetti e situazioni da cui iniziare a riflettere, anziché presentare un’unica interpretazione come risposta corretta. Ciò non significa, tuttavia, che il punto di vista o i valori dell’opera siano indefiniti. Attraverso persone, oggetti ed eventi concreti, l’artista rivela i valori che considera importanti e permette agli spettatori di confrontarsi direttamente con il loro significato.
L’«indizio» nel titolo dell’opera non è una conclusione, ma un elemento da cui può cominciare il pensiero. Un gesto quotidiano, il volto di una persona, il ricordo di una famiglia o un involucro gettato dopo l’uso possono svolgere questa funzione.
Il «recupero» indica, più che un ritorno completo a una condizione passata, il processo di riesaminare eventi, oggetti e persone divenuti familiari, cercando di avvicinarsi alla loro essenza.
La serie Un indizio per il recupero dell’autenticità ebbe inizio con il gesto quotidiano di lavarsi i denti e proseguì attraverso lo sguardo sociale rivolto a un individuo, il liberalismo rivelato dalla scelta e dallo spostamento di una famiglia, il capitalismo e i valori che vi si formano, fino ai volti delle vittime della guerra.
Le diverse opere sono presentate come punti di partenza da cui gli spettatori possono riesaminare soggetti che credevano di conoscere e riflettere sul significato che la libertà e la scelta, il valore e la dignità umana assumono nelle vite individuali.